Quali concetti di design e arte sono stati discussi dagli studenti / professionisti dell'arte negli anni '70?

Mi chiedo: se tu fossi [condizionale, non sto chiedendo persone che erano effettivamente lì] un'arte (o stampa, o pubblicità, non sono sicuro di quale sarebbe stato il titolo allora studente) o professionista in degli anni '70, di cosa parleresti con i tuoi compagni di classe / colleghi?

Non intendo cosa vorresti studiare in classe, ma cosa considereresti materie rivoluzionarie (e forse un po 'sovversive) in quel momento? Quali erano le tendenze, le nuove idee di cui parlavano le persone?

Potrebbero essere studenti provenienti dall'America o dall'Europa. In realtà sto pensando alle università latinoamericane, ma mi rendo conto che potrebbe essere troppo specifico. E devono aver parlato delle stesse cose, immagino.

So, ad esempio, che gli studenti di scienze sociali stavano discutendo molto su Levi-Strauss. Il che era proibito in alcuni paesi dell'America Latina, perché era considerato "pericoloso". Immagino che forse gli studenti d'arte stessero parlando di ... postmoderno? Femminismo? Non lo so davvero e apprezzerei il tuo aiuto.

Non sono un esperto e non ero uno studente negli anni Settanta, ma ricordo alcuni degli sconvolgimenti politici, delle correnti e degli eventi sociali e culturali.

Il design è informato, si sviluppa in tandem o come reazione contro la politica e gli avvenimenti nella società in generale.

Sì, c'era sicuramente una buona parte dell'estetica hippy degli anni sessanta in giro negli anni settanta; a quel tempo era diventato più accettato e più mainstream. Gli elementi psichedelici non più "pericolosi" e sovversivi, la "pace e l'amore" della disobbedienza civile e della protesta non violenta, con la loro estetica organica dai fiori multicolori "dovrebbero andare": inevitabili le oscillazioni politiche del pendolo.

Anni Sessanta. Hippy-dippy:

Negli anni sessanta si sperimentavano le tecniche di stampa e nelle macchine da stampa offset troverete la follia di versare diversi colori nello stesso colore. Il risultato finale è che il tutto diventa marrone, ma puoi stampare molto prima che i colori si mescolino e otterrai un sacco di poster che sono leggermente diversi. Vale a dire: non ci sarebbe raster. Non riesco a trovare alcun esempio, ma immagino che tu abbia messo diversi colori in questo:

Anche se realizzato nel 1967, il design dell'album Milton Glasers Bob Dylan mostra un linguaggio visivo rigoroso. Il mio punto è che i capelli "hippy-like" non hanno colori hippy selvaggi. Sono silenziati. Il carattere e la silhouette parlano di un contrasto minimalista.

C'è una grande differenza tra ciò che potresti chiamare il design aziendale e le correnti sotterranee radicate in una sorta di linguaggi visivi dal basso. Se cerchi il "design del 1970" otterrai molti - ciò che è stato visto da molti come - effetti visivi di alto livello, design per le aziende e una nuova, meravigliosa tecnologia. Ci sono ancora molti colori, ma non gran parte dei fiori organici. Si sta muovendo verso elementi più semplici e grafici. Confrontate il design aziendale con le copertine degli LP, i poster dei concerti, gli eventi culturali "di base" ecc.

Settanta. Lo compreresti?

E, naturalmente, c'è la controversa arte di Andy Warhol, che "spudoratamente" ha commercializzato l'arte. Immagino che potresti chiamarlo il maestro del design piatto: D.

Ecco, Liza Minelli:

I disordini sociali e il conflitto del 1968 furono una reazione violenta a quelle che erano viste come élite militari, capitaliste e burocratiche. Molti governi hanno risposto con un'escalation della repressione politica e della violenza fisica. La protesta pacifica non è andata da nessuna parte. L'uomo in strada, anti-stabilimento. La guerra fredda, la vera guerra, le rivoluzioni, la caduta dell'impero britannico, Mao morì. Il mondo era grande, freddo, pericoloso e confuso. Robot, fantascienza, esplorazione dello spazio, guerre stellari, distopie, manipolazione genetica; il mondo stava diventando alieno. La speranza che il mondo potesse essere migliore di quello che era, vacillò.

Inserisci il punk

Chiunque potrebbe creare qualsiasi cosa. Chiunque potrebbe creare musica. La tecnologia allora stava rendendo più facile per più persone dilettarsi con l'arte, la musica, il design. L'esempio classico di questo è ovviamente Sex Pistols. Era disordinato, era fai da te, era forte (in tutti i sensi della parola). Presero simboli riveriti e li sezionarono: la regina, la bandiera, la religione, i politici. La griglia era davvero fuori dalla finestra, le regole e la coerenza erano per le femminucce. Se fossi sordo, sarebbe un vantaggio come cantante. Il Clash è stato criticato come troppo "melodico", non punk "genuino". Classe superiore.

Ed ecco uno spettacolo teatrale sul ritratto di Andily Warhols di Marilyn Monroe:

Il movimento femminista negli anni '70 prese elementi dal punk; era il linguaggio visivo della protesta. Era incentrato sul corpo femminile, sul diritto alla libertà sessuale, sulla parità di retribuzione e sulla solidarietà con le donne di tutto il mondo.

Solidarietà con le donne vietnamite durante la guerra del Vietnam:

Essendo uno studente negli anni '70, penso che ci sarebbe un divario piuttosto grande e una guerra di trincea tra il punk e il "buon gusto". Il post-modernista (termine che disprezzo) e la decostruzione analitica si scontrarono con l'estetica "di strada". Altri elementi sarebbero l'estetica "macchina", l'arte grafica e la musica di David Bowie e Pink Floyd sarebbero esempi. Immagino che potresti chiamarlo surrealismo macchina (al contrario del surrealismo organico hippy), macchina umana e reinvenzione della nostra identità a ciò che siamo e ciò che creiamo (cioè la tecnologia).

Vale la pena notare che il movimento punk era ovviamente contrario al commercialismo. Man mano che quelli che fanno parte del punk invecchiano e possiamo venderli, il "loro" linguaggio viene ripreso da un maggiore marketing commerciale, sebbene in una versione più mite. È il caso in molti casi.

Non sono sicuro di aver effettivamente risposto alla tua domanda, ma è stato un tentativo di inserirla in un contesto storico.

(il prossimo sarebbero gli anni ottanta e il folle boom economico. Ma adesso basta.)

Naturalmente le questioni discusse erano altamente soggettive e differiranno notevolmente da paesi con contesti politici così divergenti come negli anni '70.

Vorrei condividere il mio ricordo dei concetti di graphic design che pensavo fossero fantastici in Germania, allora, quando ero un adolescente. Sono consapevole che questa è inevitabilmente una visione piuttosto inclometa, ristretta e personale.

La maggior parte dei disegni è stata fortemente influenzata dalle conseguenze del movimento hippie degli anni '60. Ma i loro concetti sono diventati più consolidati e commercializzati. Le droghe e la loro influenza sullo stato mentale hanno portato alla " psichedelia " che è stata trasferita quasi ovunque come film, spot pubblicitari e musica.

Adesivo psichedelico 7-up

Ciò si rifletteva anche nelle opere grafiche per le copertine dei dischi in vinile che spesso avevano un tema di un mondo surreale fantastico:

Copertina di Yessongs di Roger Dean

Ci fu molta influenza su questo dal surrealismo, principalmente le opere di Salvador Dali o Yves Tanguy .

Complessivamente le strutture organiche arrotondate e gli ornamenti floreali hanno sostituito lo stile minimalista Bauhaus , almeno in quelle aree che affermano di essere giovani e alla moda. Caratteri come Banana Split possono essere trovati ovunque.

La cartoleria era spesso decorata pesantemente, compresi la carta da lettere e le buste.

I maggiori designer degli anni Settanta come Lugi Colani hanno adattato questa organicità a quasi tutto:

Design di camion di Colani

Il minimalismo del Bauhaus, chiare linee geometriche non organiche erano ancora presenti negli anni '70. Sopravvissero fino ad oggi, ma a quel punto erano considerati "quadrati" .