Stieglitz e la sua foto, "The Steerage" sono acclamati come grandi non per la sua eccellenza compositiva (almeno un aspetto della composizione è brillante, e alcune delle linee nella cornice possono essere viste come una sorta di "proto-cubismo" ¹) o i meriti tecnici della foto. "The Steerage" è molto significativo perché è stata una delle prime volte in cui una fotografia è stata usata per dire qualcosa sulla società umana con intento artistico e allo stesso tempo presentare la scena il più realisticamente possibile invece che a) semplicemente documentandola in gran parte senza commenti o artistiche intento o b) modificandolo in modo significativo per modellare un possibile messaggio o intento artistico.
Il modo in cui Stieglitz ha catturato la foto era nettamente diverso dal modo in cui quelli riconosciuti dalla comunità artistica come i più alti professionisti della fotografia come arte in quel momento stavano facendo le cose. Quei pochi fotografi artistici che "avevano qualcosa da dire" nel 1907 usavano tipicamente lo stile pittorico che utilizzava vari metodi per alterare il realismo della scena per adattarlo al loro messaggio. Lo stesso Stieglitz era un pittore a quel tempo, e pubblicò The Steerage solo nel 1911 più di quattro anni dopo aver scattato la foto quando iniziò ad allontanarsi dal pittorismo.
Piuttosto che tentare di ricoprire di zucchero le cose e farle sembrare romanticamente attraenti come nel caso del pittorismo , Stieglitz ha tentato (ed è riuscito con The Steerage ) di mostrare le cose nel modo più realistico possibile. Per avere un impatto emotivo, Stieglitz dipendeva dallo spettatore che vedeva i contenuti della scena per come erano e comprendeva alcuni dei fattori sottostanti che hanno portato la scena ad apparire come ha fatto, riconoscendo allo stesso tempo alcuni degli elementi artistici più astratti della scena e il loro significato.
Il colpo compositivo del genio fu il modo in cui Steiglitz trovò un angolo che collocava la passerella vuota e immacolata (non utilizzata per l'intero viaggio, secondo Stieglitz) che portava alla prima classe fuori dalla macchina fotografica come una barriera apparentemente impenetrabile tra quelli raffigurati nel timone a destra e sotto e quelli (non raffigurati) nel lusso di prima classe a sinistra e dietro la telecamera. Le forti linee geometriche della passerella, l'albero, il boma, la trave del ponte, l'ingresso alla stiva e la ripida scala a sinistra servono a confinare quelli in timoneria. Quindi, sebbene la foto stessa fosse una visione inalterata della realtà, gli elementi di quella realtà e il modo in cui Steiglitz riuscì a metterli nella cornice avevano un grande significato metaforico e simbolico da un punto di vista artistico.
Nell'arte, ci sono spesso due diversi tipi di capolavori:
- Quelli che aprono nuove strade e creano un modo di comunicare che non è mai stato fatto prima. Questi sono i "primi nel loro genere" di capolavori.
- Quelli che si basano sul primo e raggiungono l'apice assoluto di uno stile particolare che lo perfeziona in modo tale che dopo di che non c'è nessun altro posto in alto per chiunque altro.
È molto raro che lo stesso artista, e tanto meno lo stesso lavoro, faccia entrambe le cose.
Forse il miglior esempio che mi viene in mente è lo "stile a tre dita" di Earl Scruggs nel suonare il banjo che non è mai esistito prima che lo sviluppasse e che non è mai stato superato da nessuno dopo di lui.
Al contrario, quando Michelangelo scolpì David , raggiunse la massima espressione della scultura rinascimentale che si era sviluppata per secoli e che risaliva alle forme classiche greche per le sue origini. Come ha detto Giorgio Vasari su David , ha superato "tutte le statue antiche e moderne, sia greche che latine, che siano mai esistite". Dopo David , non restava altro da fare che trovare una direzione diversa in cui andare per quanto riguarda la scultura in marmo. Così lo sviluppo del Manierismo , che favorì la tensione compositiva e l'instabilità piuttosto che la proporzione, l'equilibrio e la bellezza ideale del Rinascimento.
Lo Steerage di Stieglitz è il primo tipo. Con esso introdusse un nuovo modo di usare fotografie che erano nettamente realistiche ma riuscite, attraverso il loro realismo accuratamente composto, a dire le cose in modo simbolico e metaforico usando il vocabolario artistico. Ci sono esempi molto migliori, in termini di composizione e abilità tecnica, di ciò che Stieglitz ha iniziato con The Steerage . Vengono in mente alcune delle opere di Weston, Adams e Lange. Ma non ci sono molti, se del caso, esempi precedenti.
Ce n'erano altri prima di Stieglitz e The Steerage che usavano le fotografie per "raccontare storie". Jacob Riis ², che è forse un "nonno" del fotogiornalismo moderno, ³ lo faceva già nel 1880. Mathew Brady , che documentò la guerra civile americana nei primi anni del 1860, potrebbe essere visto come uno dei "bisnonni" del fotogiornalismo. Ma Brady e Riis non aspiravano a vedere le loro foto come "Arte".
Stieglitz, d'altra parte, iniziò con l'intento artistico e scoprì che poteva incorniciare una foto "documentaria" in modo che dimostrasse gli elementi artistici desiderati. Lo Steerage di Stieglitz fu rivoluzionario in quanto era una prima forma di "Proto-cubismo" allo stesso tempo in cui Picasso lo stava sperimentando per la prima volta usando mezzi più tradizionali, ma Stieglitz lo fece attraverso la forma di una foto realistica - che non aveva mai è stato usato per creare opere d'arte prima.
¹ Dopo aver visto The Steerage , lo stesso Pablo Picasso ha osservato: "Questo fotografo sta lavorando con lo stesso spirito di me."
² Grazie all'utente BobT per avermi ricordato di Riis.
³ Giustamente o no, Henri Cartier-Bresson è considerato da molti il "padre" del fotogiornalismo moderno.
