Ci sono guide scritte o regole empiriche per impostare la saturazione del colore, la chiarezza, la vibrazione, ecc. Nella post-elaborazione (o in generale)?

Questa non è un'altra domanda "come faccio ad avere un'immagine simile a tale-e-tale-collegamento-inserito-qui in LR" domanda. C'è una saturazione (nessun gioco di parole intenzionale) di queste domande qui. Interessante, ma non abbastanza generale.

Quello che sto davvero chiedendo è : in che modo le persone prendono decisioni post-process per fare cose come migliorare le tonalità della pelle o persino migliorare il colore e l'illuminazione di qualsiasi immagine?

Solitamente lo alzo, tocco le leve in Lightroom (di solito esposizione, contrasto e bilanciamento del bianco, e occasionalmente saturazione) fino a quando le cose sembrano a posto. Personalmente mi rivolgo al realismo, non a qualcosa di ferocemente post-elaborato (mi rende pigro quando sto girando diversamente). Inoltre, scatto RAW in modo da non applicare lo "stile di immagine" sulla fotocamera.

Ma non sembra coerente; al contrario (anche il gioco di parole non è previsto), se stai osservando le regole empiriche per inquadrare scatti, tecniche di illuminazione e molto altro, puoi trovare quelle guide ovunque, e specialmente su StackExchange. Puoi ottenere sempre più rapidamente mentre impari queste cose. Ma la tecnica post-process mi sembra più casuale.

Molto interessato a sapere cosa pensano / fanno i professionisti qui. Non può essere totalmente soggettiva e un'arte nera (fammi aggiustare questo e vedere cosa succede) ... o è ...?

La maggior parte delle decisioni sono artistiche e dipendono dal proprio stile e visione personale e, in una certa misura, dal genere della fotografia, che si tratti di paesaggi o ritratti, commerciali o non commerciali.

Prima di iniziare, devi avere un'idea di come desideri che appaia la tua immagine. Chiave alta o chiave bassa? Nitido e contrastato, o leggero ed etereo? Ogni immagine è diversa, quindi non si applicano regole fisse a ogni immagine. Ma proverò a fornire alcune linee guida generali.

Usando Lightroom o Camera Raw, lavoro attraverso i cursori dall'alto verso il basso.

Bilanciamento del bianco

Direi che nella maggior parte dei casi si tratta di una decisione artistica. Sì, puoi utilizzare lo strumento contagocce del bilanciamento del bianco per stimare il bilanciamento del bianco "corretto", ma spesso risucchia il calore di una bella immagine. Uso spesso lo strumento di bilanciamento del bianco per verificare in che modo influisce sull'immagine e per mantenermi onesto in modo da non esagerare con il riscaldamento, ma per lo più aumento il calore fino a quando non ho esagerato, quindi lo riavvio po.

Contrasto

Non tocco mai il contrasto nella fase di conversione non elaborata. Uso Photoshop e preferisco applicare i livelli di regolazione delle curve in cui posso mascherare / spazzolare dove necessario. Se avessi elaborato solo tramite Lightroom, probabilmente avrei saltato il dispositivo di scorrimento Contrasto e ci sarei tornato dopo aver apportato le altre regolazioni relative all'esposizione.

Esposizione, luci, ombre, neri, bianchi

Per la maggior parte delle immagini vorrò una gamma completa di toni dal nero al bianco. Cioè, per la maggior parte delle immagini voglio che l'istogramma si estenda da sinistra a destra. Supponendo che sto cercando di ottenere un'immagine del genere, il mio pensiero sarebbe qualcosa del genere:

L'esposizione complessiva è approssimativamente corretta?

Se l'immagine è troppo scura, aumenterò l'esposizione. Troppo leggero, lo ridurrà. Ovviamente non per ottenere un istogramma di bell'aspetto, ma un'immagine di bell'aspetto. Ad esempio, un'immagine ad alta tonalità potrebbe essere a destra. Cerco di inchiodare l'esposizione nella fotocamera, ma ci sono momenti in cui non puoi, o esponi intenzionalmente a destra . Inoltre, se qualcosa viene tagliato alle due estremità, posso regolare l'esposizione complessiva. Di solito non ho bisogno di toccare il cursore Esposizione.

Quindi, come sono gli endpoint del mio istogramma?

Se i neri o i bianchi sono ancora tagliati dopo aver regolato l'esposizione, o più comunemente se non si estendono ai bordi dell'istogramma (nel senso che non ho neri o bianchi puri), allora userò i cursori Neri / Bianchi per estendi l'istogramma fino a quando non ho l'intera gamma tonale. Ovviamente questa è in qualche modo una decisione artistica, ma per quelle immagini in cui si desidera una gamma tonale completa, questo è il modo migliore per raggiungerlo.

Come appaiono le luci e le ombre?

Uso con parsimonia i cursori Luci e ombre per mettere a punto le aree chiare e scure. Questo non è affatto necessario sulla maggior parte delle immagini. Aumenterei il dispositivo di scorrimento Ombre ad esempio su un'immagine retroilluminata per schiarire il soggetto e potrei ridurre il dispositivo di scorrimento delle luci se avessi una grande distesa di nuvole bianche e volessi evidenziare un po 'il contrasto.

Chiarezza

Una maggiore chiarezza può dare l'impressione di un migliore contrasto e dettaglio. Ridurre la chiarezza può dare un bell'aspetto sognante, specialmente all'acqua o alle nuvole. Penso che questa sia una scelta puramente artistica. Di solito non eseguo regolazioni di chiarezza nel convertitore RAW e lo lascio fino a dopo, in Photoshop, dove posso usare la nitidezza, le regolazioni delle curve locali o i filtri di effetti come Topaz Detail / Adjust per ottenere effetti simili localmente.

Saturazione / Vibrance

Uso raramente la saturazione o la vibrazione in Camera Raw. Se il colore in un'immagine appare piatto, potrei aumentare la vibrazione, ma di solito lo farò in aree selettive o in colori selettivi, in seguito in Photoshop. Un'altra scelta artistica: fai ciò che ti sembra giusto. Fai solo attenzione a non tagliare alcun canale. La vibrazione è una scelta un po ' più sicura .

No, non esistono regole del genere. È qui che entra in contatto con queste cose, attraverso un'abilità naturale o attraverso la pratica (o entrambi). È soggettivo , ma non arbitrario , ed è arte ma non un'arte nera .

Alla fine, svilupperai uno stile personale per ciò che ti sembra giusto. Molti fotografi sviluppano un aspetto personale molto distintivo. Tu citi "professionisti", e vale la pena dedicare un secondo a pensarci, perché è il gusto dei tuoi clienti che è più importante. Se stai scattando ritratti di piccole città, uno sguardo semplice con un po 'di "pop" in più è probabilmente dove vuoi andare. Alcuni anni fa, i miei nonni si sono fatti fotografare, e mentre il fotografo ha insistito sul fatto che l'aspetto soft-focus fosse una scelta artistica, i miei nonni erano arrabbiati - non era affatto di loro gusto. Ma se sei un fotografo di matrimoni, un look "da sogno" probabilmente non ti farà sbagliare. Oppure, se invece stai mirando a vendite di "arte" sul mercato di massa, a giudicare da ciò che ho visto in una galleria a Las Vegas, probabilmente vorrai aumentare la saturazione fino a quando i tuoi occhi sanguinano e mappano i toni fino a quando gli aloni soffocano l'intera scena. Se stai cercando una rappresentazione in galleria, ti aiuterà a conoscere le attuali tendenze dell'arte (anche se, si spera, il tuo lavoro spinge quella busta). Ma se stai cercando un'arte più duratura o stai lavorando per la tua soddisfazione personale, dovrai essere il tuo pubblico.

Penso che le "regole" siano comuni per la composizione perché la fotocamera non può farlo automaticamente per te. La fotocamera può bilanciare l'esposizione in modo accettabile, ma non può scegliere dove centrare il soggetto . Queste regole di composizione sono generalmente dubbie , ma forniscono un quadro di base e comodi punti di partenza quando non sai da solo cosa vuoi.

Se non sai quale aspetto stai cercando in stile visivo , tuttavia, puoi semplicemente scegliere un predefinito, "stili di immagine" nella tua fotocamera o impostazioni preconfezionate nel tuo convertitore RAW. Nei primi giorni della fotografia di film in bianco e nero, non era così, e puoi trovare molta saggezza raccolta (e, come sempre, affermazioni prescrittive più dubbie) di quell'epoca. Quando è entrato in uso un film a colori meno flessibile, quell'approccio ha subito una grave ferita e, sebbene il digitale ritorni alla flessibilità, porta anche "look" preconfezionati facilmente impacchettati, quindi è improbabile che il paziente si riprenda completamente.

Detto questo, posso pensare a una linea guida mentre lavoro verso quello stile: tutto con moderazione. Questo è spesso espresso come qualcosa del genere: dopo aver ottenuto un effetto speciale che ti piace, ricomincialo a metà di quella forza e procedi con quello. Ma, come quelle regole di composizione, questa è una linea conservatrice, e il conservatore è raramente un valore celebrato nell'arte. Quindi, potresti provare il contrario: sii audace . Certo, tra qualche anno potresti guardare indietro al tuo lavoro con un certo imbarazzo, ma almeno non sarai accusato di essere timido.

Aiuta ad essere deliberato. Qui, la flessibilità infinita è il tuo nemico. Ti consente di fare quello che vuoi e ciò può rendere difficile stabilirsi nel tuo groove personale. Quindi, ecco un approccio da provare .... Metti giù la fotocamera digitale e raccogli un vecchio corpo cinematografico. Pentax K1000, Nikon F, forse un telemetro Canonet. Prendi diversi rotoli di Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS e Ilford Delta 1600. Oppure, almeno metti giù il convertitore RAW e scegli alcuni di quegli stili di immagine - un sacco di ricerca e sviluppo vanno in loro, quindi in realtà sono abbastanza buoni . Se la tua fotocamera ti consente (si spera lo faccia) di modificarli in base alle tue preferenze personali (aumenta il contrasto, diciamo), ma una volta apportate alcune modifiche, lascialo così per un po '. Potresti anche voler estrarre i "filtri artistici", se la tua fotocamera lo fa. Effettivamente,le regole empiriche che stai cercando, rese programmatiche.

Trascorrere una settimana di riprese intenzionalmente con la regola dei terzi non ti renderà automaticamente un fotografo migliore, ma è comunque un buon esercizio, perché se lo fai e rivedi attentamente i risultati (valutando non solo l'applicazione della regola ma l'effetto complessivo ), saprai meglio cosa vuoi fare invece e perché . Allo stesso modo, gira qualche rotolo di film di diversi tipi o scegli un set di preset e rimani con esso per un po '. (Se questo è troppo doloroso, puoi sempre andare con RAW + JPEG in modo da avere un "out" se ottieni uno scatto unico nella vita che davvero, davvero non avrebbe dovuto applicare quel cast verde.) Avere fatto questo esercizio, probabilmente non vorrai continuare a lavorare così per sempre, ma penso che ti aiuterà a capire come fai vuoi che le tue immagini appaiano.

Ciò che conta di più del modo in cui il grado di colore è la coerenza nella classificazione del colore all'interno di una serie. In generale, ti consigliamo di assicurarti che una serie di foto scorra bene, anche se potrebbero esserci momenti in cui desideri che siano anche molto diverse.

Come altri hanno già detto, qui non ci sono regole diverse dall'estetica generale. O hai un occhio per questo o no. Usa il tuo senso artistico e il colore di conseguenza. Se stai cercando di sviluppare le tue abilità, passa il tempo a guardare le opere che ti piacciono e a come sono bilanciate, quindi prova a replicarle.

Dopo un po ', avrai un occhio per identificare quali parti di un'immagine sono fuori di testa da dove le vuoi e diventa una semplice questione di regolazione come ritieni opportuno per ottenere l'aspetto desiderato.

Inoltre, non aver paura di seguire la tua strada. Il modo in cui le persone valutano il colore è probabilmente più un racconto di chi sia il fotografo che di qualsiasi altro aspetto della fotografia. Le persone sviluppano sicuramente un aspetto che piacciono e se sono bravi nella classificazione dei colori, molte delle loro foto avranno un aspetto generale simile. Deve variare un po 'da uno scatto all'altro poiché i soggetti differiscono e quindi l'estetica può richiedere lievi differenze di stile, ma di solito ci sono cose che lo rendono riconoscibile.

Personalmente tendo a un contrasto eccessivamente lieve, alla ricerca di un punto nero intenso, ombre dettagliate ma ragionevolmente forti, luci appena prima del picco e un'immagine complessivamente ben saturata (ma non troppo saturata) e fortemente colorata. A volte inserirò un piccolo dettaglio nei punti salienti esagerati, ma generalmente cerco di evitarlo per la maggior parte.

Alcune persone preferiscono livelli di contrasto più scuri, altri più luminosi, alcuni surreali, altri un aspetto più sbiadito e alterato. All'estremo lato artistico, alcuni riescono persino a distorcere il colore fino a renderlo irriconoscibile rispetto alla scena originale. Dipende interamente da te, l'artista, decidere cosa ti piace.

In realtà non ci sono linee guida. Devi imparare il posizionamento, il ritaglio, la composizione. I movimenti artistici hanno linee guida che non sono così rigide in termini di viraggio e approccio. Per la fotografia puoi guardare e cercare gli aviatori o i pionieri dello stile che vuoi praticare. dall'inizio ad oggi. Ad esempio da Richard Avedon a Patrick Demarchelier per la fotografia di moda. E come consiglio di un fotografo professionista - me stesso: D - hai sempre in bianco e nero nella tua foto se non ti stai avvicinando a prodotti postali fuori contrasto.