Tradizionalmente un fattore di prezzo, ma non più.
L'idea che dovresti scattare solo in bianco e nero come fotografo "serio" è allo stesso tempo altamente soggettiva e altamente restrittiva, specialmente in un mondo in cui il colore non ha alcun costo. Se stai girando un film e stai facendo il tuo lavoro in camera oscura, allora c'è un netto vantaggio di prezzo nel girare in bianco e nero; un fotografo principiante ai miei tempi avrebbe potuto facilmente scattare più di cinque volte più foto per gli stessi soldi (diventa facile vedere con quali negativi non preoccuparsi), quindi avresti sicuramente più pratica, ma non è proprio un problema nel mondo digitale.
Astrazione sia in bianco e nero che a colori.
La fotografia in bianco e nero sottrarrà una componente dell'immagine - il colore - che ti permetterà di prestare un po 'più di attenzione a tutto ciò che rimane. Tuttavia, tutto ciò che rimane è ancora molto da considerare quando si scatta una foto. Non sei "bloccato" con rappresentazioni tonali in bianco e nero, e nessuno è stato dall'avvento dei film pancromatici. Con la pellicola, è possibile utilizzare i filtri per regolare le relazioni tonali tra i colori; con il digitale hai un controllo ancora maggiore.
Puoi avere lo stesso tipo di astrazione nella fotografia a colori riprendendo soggetti "piatti" (cose che non hanno molto in termini di luci e ombre) ma hanno un sacco di contrasto cromatico con cui lavorare. In entrambi i casi, stai lanciando una cosa che avrebbe potuto far parte del quadro per rendere più semplice la visione di altre cose.
Utilizzando strumenti digitali per esplorare la fotografia.
Con la fotografia digitale, o almeno con l'elaborazione digitale che si trova nel mezzo del processo fotografico, puoi davvero andare molto oltre. Puoi scegliere di guardare le tue fotografie in bianco e nero, sia come immagini desaturate, sia con particolare enfasi su determinati colori dell'immagine. Puoi scegliere di guardare le tue foto come solo macchie di colore con la maggior parte o tutte le informazioni di oscurità / luminosità rimosse. Puoi "posterizzarli" o cercare solo bordi e linee prominenti. Puoi ridurli considerevolmente in dimensioni (circa la dimensione di un francobollo) per costringerti a vedere la foresta piuttosto che gli alberi. Si possono offuscare abbastanza per vedere se il quadro tiene insieme quando non sei così distratti da quello che è un quadro di. Puoi floppare l'immagine in orizzontale per vedere se ha ancora senso (o ha gli stessi problemi apparenti, solo nella direzione opposta). Puoi vederlo come un negativo, o solarizzarlo, per aiutarti a vedere cose che sono difficili da vedere quando vedi l'immagine "diritta".
Cose da tenere a mente come principiante.
Ci sono buone ragioni per scegliere un modo di vedere, come il bianco e nero, e per un po 'di tempo. Se riesci a passare da sopraffatto a semplicemente completamente mentre apprendi, è quasi sempre una buona cosa. Ma quel modo di vedere non deve essere in bianco e nero, né deve essere ovvio nelle tue foto finite. Sebbene le immagini finali in bianco e nero possano andare molto meglio con un pubblico rispetto alle immagini solo tonalità o solo saturazione, ad esempio.
Utilizzando altri media visivi per studiare l'arte della fotografia.
Detto questo, il disegno può essere uno strumento di insegnamento inestimabile per un fotografo. Non voglio dire che diventare bravo a disegnare migliorerà la tua fotografia (anche se può essere vero anche per me), intendo che impiegare alcune ore per esplorare sulla carta come cose come l'ombreggiatura influenzeranno la tua percezione di forme semplici e quanto "sapere cosa c'è" influenza ciò che vedi. Un paio di fine settimana (o alcune serate) trascorsi con il disegno sul lato destro del cervello di Betty Edwards (è uscito per sempre e può essere trovato in qualsiasi biblioteca decente) per fare un enormedifferenza nel modo in cui vedi le cose, anche se non arrivi mai al punto in cui puoi effettivamente disegnare qualsiasi cosa che sia anche il minimo riconoscibile. Si tratta principalmente di oltrepassare vedere ciò che sai e iniziare a vedere ciò che vedi. Il fatto che tu possa forzare o meno la tua mano a replicare magistralmente su carta con una matita è quasi un punto; la chiave sta nel perdere la tua rappresentazione iconica interna delle cose in modo da poter vedere ciò che è realmente di fronte a te. E aiuterà molto nella post-elaborazione, in cui l'oggetto del gioco non è davvero quello di mostrare allo spettatore ciò che hai visto oggettivamente, ma di trasmettere il tuo soggettivoesperienza quando hai scattato la foto. La realtà è spesso deludente. Non prestare troppa attenzione alla teoria del cervello sinistro / del cervello destro; l'approccio concettuale al disegno e al vedere si applica anche se le ipotesi fisiologiche alla base sono state ampiamente ridimensionate.