Aiuto per uno sparatutto cinematografico: come affrontare il paradosso della scelta?

Quindi ho sempre girato un film, ed è stato grandioso a causa dei vincoli che ha posto sul colore: scatti 36 esposizioni consecutive con un aspetto particolare e, se non ti piacciono i risultati, affrontalo perché non c'è un tutto ciò che puoi fare a riguardo, tranne la pratica e prendere decisioni migliori.

Mentre a volte questo era fastidioso, in qualche modo era confortante: la gestione del colore del film era autorevole. Hai imparato a lavorare entro i limiti. Tuttavia ora sto girando un Leica MD digitale, che è la fotocamera digitale più simile a un film che riesco a trovare, eppure mi presenta un dilemma: tutti i vincoli sono spariti! Non ho idea di come scegliere una sensazione di colore perché le possibilità sono letteralmente infinite! E anche se lo facessi, è davvero difficile eseguire bene la visione!

In che modo le persone che hanno girato in digitale hanno sempre a che fare con questo? Scegli un filtro VSCO per te stesso e seguirlo? Fai cose folli per la calibrazione del colore in modo da poter partire da un'immagine perfettamente neutra e passare da lì in modo creativo? Ti fidi del bilanciamento del bianco automatico della fotocamera? Ti affidi esclusivamente alle impostazioni predefinite del bilanciamento del bianco? Getti le mani in aria e scatti in bianco e nero?

Non mi aspetto una risposta semplice, ma anche qualche consiglio sarebbe utile perché il numero incredibile di opzioni mi sta facendo impazzire.

Non c'è un solo modo.

Personalmente trovo che il digitale mi liberi di rimandare le scelte fino a dopo lo scatto. Non solo, ma posso "scoprire" nuove interpretazioni di una scena con ritagli diversi, tonalità, colore e contrasto diversi.

Quindi suggerirei che cosa devi fare è spostare la tua prospettiva. Molte persone resistono alla post-elaborazione come se fosse un fastidio fastidioso. Consiglio vivamente di abbracciare la nuova libertà e di considerarla come un ambito più creativo.

Consideralo come parte del processo per ottenere l'immagine che desideri.

Ti consiglierei anche di investire tempo nella sperimentazione dei numerosi strumenti disponibili. Non devi diventare un esperto, ma devi essere consapevole di ciò che è possibile.

Ognuno è diverso e YMMV, ma me l'hai chiesto, quindi ti dirò: scatto RAW e lavoro dai file RAW. Mentre scatto RAW non uso affatto il bilanciamento automatico del bianco e generalmente correggo il bilanciamento del bianco e dei colori in vari modi (ci sono molte tecniche). Da RAW hai la massima libertà digitale - è, in un certo senso, come lavorare da un negativo non sviluppato fino in fondo.

Con un po 'di perseveranza, elaborerai le tue tecniche di base.

Aiuta se fai almeno un tentativo di base per calibrare lo schermo del tuo computer. Prova questo sito Web.

Sono anche venuto al digitale dal film. Per quanto mi riguarda, fotografo solo in RAW, quando post processo mi sforzo di ottenere colori realistici e una rappresentazione fedele della scena come la ricordo.

La mia opinione è che ad un certo punto le tecniche di post elaborazione vanno oltre la fotografia e si trovano nel regno della grafica. Dove attraversa questa linea la licenza artistica? Non lo so. Ma se vedo una foto e i primi pensieri sono: quei colori reali sono una vera registrazione della scena? Non sembra giusto, quindi la credibilità è in dubbio per me. So che la maggior parte dei fotografi non è d'accordo con me su questo e non ho bisogno o voglio discutere il mio punto con loro. (la dichiarazione tangenziale, sebbene pertinente alla domanda del PO, è finita )

Quindi il mio consiglio, ( prendilo per quello che vale ) prendi il pieno controllo delle tue immagini e non lasciare che il software della fotocamera modifichi le tue immagini o scarti i dati usando JPG.

Scatta in RAW, scegli il bilanciamento del bianco appropriato per la fonte di luce in cui stai scattando (sei in raw quindi puoi modificarlo in post se vuoi).

Calibrare le apparecchiature per avvicinarsi il più possibile alla vita reale, utilizzare lo spazio colore più ampio - gamma - palette.

Pubblica processo secondo i tuoi gusti e obiettivi individuali.

Prendi la licenza artistica che desideri. È la TUA fotografia.

Probabilmente dipende da cosa intendi fare con le foto. Le tue preoccupazioni saranno diverse se scatti in modo professionale per la pubblicazione stampata rispetto a scattare foto di famiglia candide. Scattavo sempre crudo, nel caso in cui volessi giocare con il bilanciamento del bianco in seguito. Ma dopo aver fatto questo solo per una manciata di immagini per diversi anni e aver visto quanto spazio su disco occupavano i miei file raw, ho abbandonato Raw e ho iniziato a fidarmi della fotocamera. La fotocamera di solito fa un buon lavoro. E quando ciò non accade, poiché la maggior parte delle mie foto sono personali, non mi interessa molto ottenere la perfezione tecnica. A volte torno al raw per foto particolarmente "importanti", ma solo raramente.

Scegli una scelta a caso.

Se non vedi alcun motivo per cui una scelta sarà superiore a un'altra, non c'è motivo di lasciare che la paralisi decisionale e il mito della "scelta giusta" ti ostacolino. Scegli uno sguardo che vuoi cercare, qualsiasi aspetto, quindi inizia a selezionarne sistematicamente alcuni dai tuoi infiniti strumenti ed esercitarti ad arrivare a quello sguardo fino a quando senti di riuscire a farlo ragionevolmente bene. Nota quale processo ti dà il miglior risultato. Quindi scegli un altro look, risciacqua, ripeti.

Con il tempo, potresti sviluppare uno "stile" ristretto e creare una toolchain per te che dona alla tua firma un look senza troppi sforzi. Oppure potresti scoprire di essere un bravo sperimentatore, dando a ogni nuovo progetto un'atmosfera unica. O risulta essere da qualche parte nel mezzo. In ogni caso, qualunque cosa tu impari mentre impari a creare il primo sguardo, ti renderà migliore nel realizzare il secondo. E il primo e il secondo ti renderanno migliore nel provare il terzo. E così via.

La decisione di fare affidamento su preset o meno non è davvero importante. Si risolve nel processo di scoprire come ottenere l'aspetto che si sta cercando nel progetto corrente. E per favore non lasciare che gli altri ti dicano che stai facendo qualcosa di sbagliato se stai usando il bilanciamento del bianco della fotocamera o simile! La maggior parte dei fotografi ambiziosi finisce per fare la maggior parte di queste cose manualmente, ma solo perché scoprono che avere il controllo aggiuntivo rende più facile ottenere ciò che stanno cercando. Una volta che hai un obiettivo verso cui stai lavorando, scoprirai dove hai bisogno o desideri il controllo extra e dove è sufficiente un preset.

I vincoli del film potrebbero averti aiutato a concentrarti, perché ogni fotogramma "contava" di più. Ma non hai bisogno di vincoli esterni per focalizzare, una volta che sai come funziona la messa a fuoco. Il lato positivo di un ambiente digitale senza vincoli è che lo rende sicuro per fallire: hai tutti i tentativi di cui hai bisogno per ottenere buoni risultati (e non dimenticare di non lasciare che il perfetto sia nemico del bene). Questi sono i migliori prerequisiti per l'apprendimento: vai là fuori, usali e spara.

Trovo utile modificare le immagini come sequenze, piuttosto che individualmente. Se vado a fare una passeggiata o faccio un viaggio, proverò a trovare uno stile che funzioni bene con tutte le foto e proverò ad abbinare le foto insieme. Questo è molto semplice quando si hanno immagini con le stesse impostazioni e condizioni di illuminazione. Il vantaggio di questo approccio è che limiterà notevolmente le tue opzioni, poiché dovrai trovare uno stile più moderato che funzioni molte immagini. Ecco il mio flusso di lavoro:

1. Trovo il bilanciamento del bianco per un'immagine e lo applico a tutte le immagini della sequenza.
2. Regolo la vignettatura su ogni singola immagine (questo è utile se ritagli in seguito).
3. Correggo l'esposizione di ogni singola foto; a partire dall'esposizione (luminosità), quindi in bianco e nero (di solito) per riempire l'istogramma, e quindi adattare il contrasto all'immagine specifica. Mi assicuro che ci sia continuità tra le immagini.
4. Negozio per un preset di stile che funziona con l'intera sequenza, che di solito è abbastanza facile perché la maggior parte di loro rovina alcune immagini.
5. Esamino le immagini una per una e prendo atto delle immagini che sporgono e del perché; e poi apporto piccole modifiche al bilanciamento del bianco e all'esposizione.

Questo flusso di lavoro ha semplificato in modo significativo la correzione del colore per me, poiché non cerco più la perfezione.

Ho anche trovato utile creare un profilo videocamera Adobe con Adobe DNG Profile Editor per ogni combinazione di videocamera e obiettivo utilizzando una scheda colori (da questo negozio eBay) , in modo da non dovermi preoccupare delle differenze di colore tra macchine fotografiche e obiettivi. Preferisco usare quelli sopra i preset VSCO specifici della telecamera che vengono forniti con i profili delle telecamere, che ho trovato risultati negativi.

Infine, potresti provare a creare i tuoi preset di stile con le curve in Adobe invece di optare sempre per l'emulazione cinematografica con VSCO. Ciò produrrà spesso risultati migliori rispetto a qualsiasi predefinito.

Se sei soddisfatto dei colori apparenti naturali o stai solo facendo un sacco di foto veloci e candide e non vuoi farti venire il mal di testa ... Usa una carta di bilanciamento del bianco.

Penso che questa descrizione di come fare si applichi alla tua fotocamera:

Se leggete il manuale Leica MD Tipo 262, non vi è alcuna discussione su come utilizzare il bilanciamento del bianco e non vi è alcuna pressione di pulsanti o voci di menu per il bilanciamento del bianco. Quindi, come si usa una carta di bilanciamento del bianco con questo tipo di fotocamera? La risposta è semplice! È sufficiente esporre la scheda di bilanciamento del bianco in una cornice, proprio come si farebbe con una M Type 240. Quando scarichi tutte le immagini sul computer e le modifichi, puoi semplicemente utilizzare il contagocce del bilanciamento del bianco in Adobe Lightroom e selezionare il bianco carta del saldo in quel colpo. La temperatura verrà impostata su ciò che hai visto nella scena reale. Quindi, basta copiarlo o sincronizzare le foto per utilizzare la stessa temperatura per le altre immagini. Ecco! Il bilanciamento del bianco viene impostato utilizzando una fotocamera digitale manuale!

Ti affidi esclusivamente alle impostazioni predefinite del bilanciamento del bianco?

Piuttosto il contrario. Con i file RAW / DNG, non lo decidi al momento dell'esposizione, quindi l'impostazione è irrilevante ad eccezione dell'anteprima e del suo istogramma.

Scatto un panno grigio nel contesto se posso, quindi, al computer dopo aver copiato i file, usare quella ripresa per impostare il bilanciamento del bianco su tutti. Se non ho uno scatto di calibrazione, allora potrei trovare abbastanza oggetti neutri in uno o l'altro scatto - una volta trovato, portare l'impostazione su tutte le esposizioni.

Userò sempre e solo il bilanciamento del bianco della fotocamera su "auto" o "personalizzato". Quest'ultimo è per video seri, che non sono RAW, quindi ottengo una lettura in anticipo.

Fai cose folli per la calibrazione del colore in modo da poter partire da un'immagine perfettamente neutra e passare da lì in modo creativo?

Sì, quello. Per soggetti normalmente illuminati. Per bizzare o cattiva illuminazione, mi preoccuperò delle tonalità della pelle e dei colori riconoscibili. A meno che tu non voglia che il parcheggio assomigli all'illuminazione al sodio ... davvero, nella vita ne sopporti più di quello che in una foto, quindi una stampa adeguatamente evocativa potrebbe essere a metà strada tra il tono della pelle restaurato e l'aspetto ceroso del basso -CRI lampade.

Si noti che "accurato" è semplicemente una possibile sensazione di colore. Ma devi iniziare con quello prima di applicare un filtro per creare qualche altra sensazione, se vuoi risultati coerenti.

Questa è una risposta generale, per le fotocamere che eseguono raw + jpeg, poiché la domanda non sembra riguardare specificamente il Leica MD. Alla fine mi rivolgo alle fotocamere solo raw.

Usa i jpeg integrati nella tua fotocamera, direttamente dalla fotocamera, con le impostazioni predefinite. Questo elimina del tutto il "paradosso della scelta". Quando si valuta questa opzione, sparare in raw + jpeg, ma archiviare i file raw e utilizzare solo i file jpeg. Fallo fino a quando non avrai una buona idea dei risultati: ti piacciono? In tal caso, il problema è risolto. In caso contrario, inizia a studiare altri "aspetti", regolando le impostazioni della fotocamera per contrasto, saturazione ecc. (Probabilmente un buon primo passo) o trovando un equivalente basato su computer (un predefinito in Lightroom o simile). Quando trovi un "look" che ti piace, torna indietro ed elabora tutti i tuoi file RAW. Come passaggio facoltativo, considera di scattare solo in jpeg. Questo flusso di lavoro descritto finora si applica alla maggior parte delle fotocamere di Nikon, Canon, Sony, Fuji ecc.

Potrebbe essere interessante per gli altri sapere che le fotocamere FujiFilm sono dotate di impostazioni jpeg che mirano a emulare da vicino un certo numero di loro film.

Se disponi di una fotocamera solo raw, salta i jpeg integrati nella fotocamera e procedi direttamente alla ricerca di un "look" in Lightroom o simili. Una volta deciso, applicalo a tutti i tuoi file non elaborati. Se vuoi che sia "autorevole", elimina i file non elaborati e mantieni solo i jpeg.