So cos'è una brutta foto, quindi perché continuo a scattarli?

9 foto su 10 che scatto sono noiose e questo è immediatamente evidente quando guardo un nuovo batch sullo schermo del mio computer. Dato che sono pienamente in grado di identificare una cattiva foto, perché non riesco a impedirmi di premere il pulsante di scatto quando la vedo nel mirino?

È un pio desiderio, giusto? Non vedi la foresta per gli alberi? È perché sto inconsciamente inseguendo quella sensazione che provo in quelle rare occasioni in cui non ero sicuro di una composizione e poi è uscito alla grande?

Avere un concetto in mente di solito rende le immagini molto migliori, ma quando esco con la mia macchina fotografica e appare qualcosa di leggermente interessante, non posso fare a meno di pensare che ne varrà la pena. È ancora peggio quando sto scattando una foto di un amico - quella che sembra una grande foto nel momento di solito risulta blanda con la persona in una posa scomoda.

Qualcuno è riuscito a superare questo pregiudizio di ottimismo e / o visione a tunnel? Cosa fai che ti permette di pensare in modo critico e vedere l'intera scena in modo obiettivo prima di sprecare film o megabyte?

Addendum: sono un dottorando che studia le neuroscienze cognitive della visione e dato il modo in cui il cervello costruisce il mondo usando le facoltà limitate dell'occhio (ad esempio, solo una piccola parte del campo visivo viene risolta con un'acuità elevata), questo l'incapacità di valutare rapidamente una scena oggettivamente non è una sorpresa. I momenti che sto cercando di catturare sono spesso fugaci, e il mio occhio probabilmente risolve l'unica cosa di interesse e il resto del mondo è riempito dalla costruzione della realtà del cervello, che sembra essere una scarsa rappresentazione di ciò che la luce sta effettivamente facendo, o solo un felice disprezzo per tutta la noiosa spazzatura che riempie il resto della scena ... Potrebbe essere che i grandi come W. Eugene Smith in qualche modo ha imparato a vedere rapidamente ogni parte di una scena ed è stato in grado di decidere se è stata una buona ripresa o no prima che passasse il momento? È un'abilità che è naturalmente presente in alcune persone o la maggior parte dei fotografi deve fare una sorta di rigoroso allenamento degli occhi per arrivarci? Come ci sei arrivato?

Lo scenario peggiore: ho impiegato 10 minuti per impostare questa lunga esposizione e ho pensato che potesse essere davvero bello. Il risultato, tuttavia, è chiaramente noioso, anche se ci sono un paio di elementi interessanti

Pratica, pratica, pratica. Questo è qualcosa che mi sono prefissato di fare e sta progredendo anche se non così facilmente come previsto.

Come te, ho semplicemente deciso di non fare i cattivi scatti dopo aver sviluppato un occhio per quella che è una buona foto nella mia visione. Ho iniziato con un rapporto di circa 100: 1 prima di sapere cos'è una buona foto! Con una migliore idea di esposizione e composizione, non ci è voluto molto per arrivare a 10: 1 ma da lì è stato molto difficile, impiegando anni per arrivare a 8: 1 e ora circa 6: 1. Si noti che questo è un rapporto medio e alcune situazioni sono solo più difficili. Più movimento c'è nella scena, maggiore è il rapporto miss-to-success.

Cose che hanno fatto la differenza più grande:

1. Pre-Visualizing. Guardare gli elementi intorno a te e decidere se c'è abbastanza per creare una scena.
2. Ispezione dell'intero telaio. La maggior parte delle persone scatta quando vede qualcosa che gli piace nella cornice. È molto meglio scattare quando vedi solo qualcosa che ti piace nella cornice.
3. Bordi a doppio controllo. L'uso di una fotocamera con un mirino con copertura al 100% è immensamente sollevabile per questo. Mi assicuro che nulla o nessuno stia attraversando il bordo dei miei fotogrammi, a meno che non si riprenda il modello di oggetti o folle.
4. Premere lentamente l'otturatore. Mentre rilasci l'otturatore, osserva attentamente se qualcosa arriva verso il bordo della cornice e se la tua fotocamera è a livello e assicurati che rimanga tale.
5. Impara a vedere la luce in una scena. In particolare il contrasto, poiché le telecamere hanno una gamma dinamica limitata. Avrai un'idea migliore di quando uno scatto non può essere esposto correttamente. Ora di solito prendo particolare attenzione all'ora del giorno e al modo in cui un soggetto si trova di fronte per indovinare quando la luce lo colpirà in modo migliore poiché la luce cambia durante il giorno.
6. Rivedi i tuoi scatti il ​​prima possibile. Impara da loro e ripeti. Questo è essenziale quando si passa al livello 10: 1. Molti scatti sembravano pensati a quel punto, ma quando li ho visti nel contesto, ho iniziato a capire perché alcuni fossero migliori.

Totalmente non un esperto di fotografia, ma vorrei ancora offrire il mio 2 ¢. L'errore che faccio spesso è includere troppa parte della parte dell'immagine che non è rilevante per la scena, solo perché ci sono alcuni dettagli carini. Generalmente ciò significa di solito "troppa terra, non abbastanza cielo" o "Devo guardare 'in alto' per vedere l'orizzonte". Nel tuo caso, sento che ti concentri troppo sulle alghe sul marciapiede (che concordo sembra bello come elemento, ma non necessariamente l'unica caratteristica interessante nella tua foto). Il problema è che ti manca totalmente la persona seduta sul bordo. E se includi un po 'di alghe, ma ancora in proporzione con il resto degli elementi dell'immagine, è comunque un bel tocco.

Considera invece il seguente ritaglio

I fotografi professionisti potrebbero non essere d'accordo, ma per me questo è un focus più interessante del tutto.

Prima di tutto, simula ciò che vorresti effettivamentevedere come un essere umano. Il focus è il bambino. Tutto intorno a lui, nella visione della vita reale, sfuma in una risoluzione completamente bassa; dovresti concentrarti sulla scena per vedere altri dettagli. Inoltre, tendiamo a percepire le cose più lungo un asse orizzontale piuttosto che un asse verticale. Questo è il motivo per cui le foto ad ampio rapporto funzionano meglio (secondo me). Si sentono solo più "naturali". È anche il motivo per cui gli umani in generale tendono ad essere ignari delle cose che accadono sopra di loro o sotto il loro campo visivo (a meno che non siano veramente timidi). In realtà, questa è l'altra cosa sull'includere troppi "dettagli di fondo": l'osservatore ha la spiacevole sensazione che si stavano rannicchiando la testa per timidezza. Concentrandoti sul livello dell'orizzonte, sollevi letteralmente lo sguardo dello spettatore e anche i loro spiriti. Voi' sulla scena ora, non è solo qualcosa che accade sullo sfondo mentre guardi timidamente il pavimento.

In secondo luogo, improvvisamente, ci sono molti elementi interessanti qui che si trovano in isolamento quando ti interessa cercarli. Le alghe, i cespugli, la luce, gli edifici e lo skyline, ecc. Ci sono anche alcune simpatiche simmetrie di linee in gioco (regola dei terzi in termini di mare / edifici / cielo, così come le linee del "punto di fuga" causate dal lungomare , ringhiere e cime degli alberi). Inoltre, il bambino è il "focus centrale", ma non anche il "punto morto posto", che sarebbe l'equivalente di un tiro di una squadra di calcio.

Infine, come sottolineato da qualcun altro, ci sono molte belle post-elaborazione che mettono in evidenza elementi (ho fatto un po 'di post-elaborazione molto semplice qui in GIMP come esempio): contrasto / luminosità, per mettere in evidenza più dettagli nella altrimenti fogliame scuro; bilanciamento del bianco / tratto hsv per sbarazzarsi di quella trama opaca rumorosa nel complesso; gioca con il bilanciamento del colore per far risaltare quel bel rosa nel cielo e il contrasto con i cespugli verdi e il marciapiede bluastro. Infine, puoi simulare la profondità di campo sfocando leggermente i bordi dell'immagine; questo simula l'intera "bassa risoluzione quando ti allontani dalla messa a fuoco" che sembra naturale alla visione umana, e aiuta anche lo spettatore a sentire mentalmente che il ragazzo è davvero il focus dell'immagine, piuttosto che una grande raccolta di cose che accadono, tutto equamente ponderato.

EDIT: mostrando altre due possibili interpretazioni / approcci alla foto, come da commenti qui sotto:

A sinistra : focus sulla trama (intento per lo sfondo del desktop). A destra : angolo della telecamera inferiore simulato

La tua foto assomiglia molto alle mie foto "vorrei aver fatto di meglio". La prima cosa che viene in mente è che stai cercando di bilanciare un paio di idee / regole e finire con insipido. Come la persona con un piede sulla barca e un piede sul molo: se non ti impegni con l'uno o l'altro, cadi in acqua.

In questo caso, se avessi davvero voluto concentrarti sull'acqua, mi sarei inginocchiato su ginocchia e gomiti per avvicinarmi molto all'acqua e al muschio. Forse ingrandisci un po 'per ingrandire gli edifici.

Oppure, tieni la fotocamera fuori dall'acqua ma puntala più a destra. Taglia completamente il paesaggio urbano e concentrati sull'acqua e sul contrasto con il percorso / luci / cemento.

Hai la tua linea sfuggente / convergente sul bordo dell'acqua, l'acqua esposta al tempo, il paesaggio urbano, i graffiti / cemento, il percorso e le luci, ... e in un certo senso si fonde in un mezzo spezzatino L'ho fatto molto con i video in cui, per esempio, sto cercando di intervistare qualcuno e cercare di bilanciare lo sfondo, ecc., Ecc., E in qualche modo convincermi che un muro bianco dietro di loro funziona.

Bene, il primo pensiero che avrei avuto è che questo sta implorando un po 'di post-elaborazione.

Stai sprecando completamente i punti salienti in quell'immagine che nasconde un cielo favoloso. Esistono molti modi per estrarre quei punti salienti senza perdere i mezzitoni e le ombre.

L'immagine che hai pubblicato va bene, ma non l'hai sfruttata al massimo delle sue potenzialità. La post-elaborazione offre enormi opportunità per ottenere il massimo impatto da ciò che scatti (comprese le fantastiche opzioni in bianco e nero di qualsiasi ripresa a colori).

Ecco cosa producono alcuni lavori in GIMP (dal tuo JPEG caricato di base) e tieni presente che questo non è il file di migliore qualità da cui iniziare a lavorare.

In generale potresti dover pensare di sparare solo come parte della produzione di uno scatto. Quindi ci lavori per estrarre ciò che vuoi / senti quando scatti.

Non è sempre possibile ottenere quello che vuoi. Alcuni scatti sembrano idee migliori quando scatti di più tardi. Ma penso che potresti trascurare un sacco di potenziale non seguendo alcune post-elaborazione di base.

Aggiungerò anche il mio 2 ¢ anche se probabilmente ripete ciò che altri hanno detto.

POST ELABORAZIONE FTW !!!

Non dovresti vergognarti / avere paura della post elaborazione. Anche prima che i fotografi professionisti digitali pubblicassero le loro immagini. Prendono anche centinaia di immagini e ne selezionano solo alcune per presentarle, quindi sappiate anche che hanno scartato 99 immagini su 100 (ho creato quel numero ma sono sicuro che non sia troppo lontano).

L'ho notato per la prima volta quando ho ricevuto la mia prima reflex digitale. Tutte le immagini sono usciti blanda rispetto alla mia fascia alta punto e sparare. Alla fine ho capito che il mio punto e lo scatto stavano probabilmente facendo più post elaborazione nella fotocamera stessa per rendere le mie foto più pop . Naturalmente solo le immagini più contrastanti non significano che la mia composizione fosse buona, ma era un segnale che la post elaborazione è importante.

A volte pubblicavo i processi in Photoshop, ma consiglio vivamente Adobe Lightroom perché è progettato per consentire di pubblicare rapidamente molte immagini. Posso leggere le immagini e ritoccarle almeno 30 volte più velocemente in Lightroom rispetto a Photoshop ed è stato realizzato almeno provando una tale brezza. Posso uscire, scattare 30-100 immagini, tornare indietro e averle guardate tutte, ho provato diverse cose su molte di esse e ne ho scelte alcune da presentare in realtà in meno di 30 minuti.

Non sono assolutamente un professionista, ma ecco il mio tentativo di pubblicare la tua foto in Lightroom. Non sto affermando che questo è buono, ma spiegherò perché / come sono arrivato a questo dato che forse sarà utile elencare i miei passi.

Per prima cosa ho provato a regolare l'esposizione, il contrasto, la chiarezza e le relative impostazioni. Forse perché non sono un professionista ma nulla di ciò che ho fatto ha fatto funzionare l'immagine per me. Immagino che volessi personalmente che fosse più contrastato, ma non mi piaceva dove stesse andando. Non è sicuro se sia solo il gusto o la mia mancanza di abilità in Lightroom o il basso contrasto dell'immagine.

Ho provato vari preset e in bianco e nero ma non ero abbastanza sicuro, non funzionava per me.

Ho quindi provato a ritagliare il lato sinistro dell'immagine. Per me gli alti edifici sulla sinistra erano una distrazione. Ho visto molti consigli sul fatto che spesso meno una foto è occupata, meglio è. Sfortunatamente quando l'ho fatto, la foto non sembrava funzionare senza più acqua di fronte al litorale.

Quindi, ho notato la persona nell'immagine, è questo il soggetto? Il più delle volte quando c'è una persona in un'immagine, finiscono per essere il soggetto anche se non volevo che lo facessero. Essendo così piccolo, però, era difficile vedere la persona.

All'inizio mi sono ritagliata più ampia di questa. Ancora una volta ho notato cose che mi hanno distratto. Gli edifici erano ancora sulla sinistra, quindi li ho ritagliati. Poi ho notato i graffiti sul cemento. Era grande e contrastato e sembrava un'altra distrazione, quindi l'ho ritagliato. Ho quindi regolato di nuovo i colori e impostato un contrasto più elevato in bianco e nero, aumentato leggermente la chiarezza e aggiunto un po 'di vignettatura per mettere a fuoco la persona. Anche la lampada sotto gli alberi sembrava una distrazione. Ritagliandolo, ne ero personalmente contento. Avrei preferito che la persona fosse più decentrata, più acqua di fronte, ma ciò avrebbe rimesso gli edifici nella foto. O quello o avrei potuto ritagliare di più a destra ma mi sentivo come se avessi già ritagliato così tanto che probabilmente non potevo andare lì.

Che ti piaccia o no il risultato, il punto che volevo sottolineare è che la tua post-elaborazione e il ritaglio sono tuoi amici.

La tua domanda e spiegazione implica il perché . Non posso iniziare a rispondere a una domanda del genere qui. Nessuno può. Potrebbe anche essere fuori tema; ma è una delle domande più intriganti.

Ogni fotografia risponde al proprio "perché;" tuttavia, propongo una situazione che potrebbe consentire di decidere autonomamente:

La prossima volta che parti per catturare il tuo miracolo, limitati a un singolo colpo .

Il mio ragionamento basato sull'esperienza : per anni ho avuto un porta-pellicola e una fotocamera da 8 "x10". Ho scoperto che la mia scelta di quando scattare il mio scatto è diventata diversa da quando ho avuto la possibilità di prenderne molti. Lo (sforzo di usare una) vista della videocamera sul campo ha cambiato il modo in cui ho impostato, mirato, focalizzato ed esposto il mio unico scatto. L'alto costo del film e il lungo tempo necessario per elaborare manualmente il mio film hanno cambiato il valore dello scatto. Dovevo pianificare chi, cosa, dove, quando e come ancora prima di sollevare le valigie.

Questo esercizio (senza scherzare) mi ha permesso di esaminare attentamente la mia risposta al motivo per cui stavo per premere il pulsante di scatto.

Provalo. Questo è il mio suggerimento su come rispondere alla tua domanda sul perché .

Questa è la stessa immagine ritagliata per seguire la regola dei terzi. Potresti tenere presente la regola dei terzi quando la prendi per la prima volta.

Nella foto originale, la metà sinistra è acqua e la metà destra è terra, che è come una divisione gigante nel mezzo. Quindi lo spettatore deve scegliere tra sinistra e destra. È come se l'artista stesse presentando una scelta allo spettatore: sinistra o destra. Potrebbe esserci un momento per questo (credo che la parola sia "giustapposizione"), se si desidera confrontare deliberatamente due cose. Ma queste due cose non sembrano essere contrastate o confrontate, quindi lo spettatore è semplicemente confuso.

E in verticale, penso che gli edifici siano troppo lontani, quasi come un ripensamento, che lascia il fondo sinistro molto vuoto. Quindi verticalmente è sbilanciato. E orizzontalmente era troppo centrato. 3rds offre un buon equilibrio tra "troppo lontano" e "troppo centrato".

Cose a cui pensare:

• La tecnica di padronanza è fondamentale. Dimentica "l'arte". Rileggi il manuale della tua fotocamera.

• Hai calibrato il colore della tua fotocamera? Hai misurato i livelli di luce nella scena? Hai ottenuto lo spettro di luce ambientale e ambientale per la tua scena?

• La scena è saturata di blu a causa della luce della sera. Avresti dovuto usare un filtro per bloccare questa luce. L'occhio umano lo fa naturalmente. Se vuoi che una foto abbia un bell'aspetto, devi fare ciò che l'occhio fa: bloccare le sovrasaturazioni e bilanciare il colore. Questo può essere fatto precisamente con filtri tecnici e uno spettrometro, oppure puoi farlo volare con esperienza.

• L'immagine è sfocata (tranne il primo piano). Alcune persone pensano che le immagini sfocate siano interessanti. Cerco di fare quello che fa l'occhio: mantieni tutto a fuoco. Difficile ottenere di più di base. Messa a fuoco.

• L'esposizione è scarsa. Gli alberi sono oscurati e l'acqua ha un bagliore. Informazioni sul bracketing dell'esposizione e sulla composizione di più immagini con esposizioni diverse. Meglio ancora, impara a lavorare su obiettivi e fotocamere per ottenere la migliore esposizione possibile in ogni singola immagine. L'HDR non è magico, se inserisci immagini cattive, otterrai compositi cattivi.

• Stai sparando sulla scena. Molte cose sembrano scadenti quando le guardi dall'alto in basso. Prova invece a cercare. Quando scatto foto di persone, mi inginocchio.

Chiudi un occhio prima di scattare la foto. Alcune immagini possono apparire spettacolari se viste nella gloriosa 3-D che ti danno i tuoi due occhi, ma sono un po 'più noiose o più noiose nella 2-D appiattita che appare su una fotografia.

Chiudere un occhio ti mostra come appare in 2-D, e quindi è una migliore rappresentazione della foto.

In breve, la fotografia è diversa dalla visione umana. Il cervello fa molte pre-elaborazioni, post-elaborazioni, riempiendo le lacune, ecc. Produce un'immagine "idealizzata" nella mente. La fotocamera è fondamentalmente un bulbo oculare. Non sarai in grado di catturare "ciò che vedi" con una fotocamera. Quindi, fai quello che fa il cervello: scatta molte immagini, ignora la maggior parte e manipola il diavolo da quelle che sono buone.

Sono un fotografo di strada e quindi il mio rapporto di scatti "buoni" è banale (forse 1: 100). La mia definizione di buono scatto non è solo uno scatto a fuoco o decentemente composto ma uno scatto che va oltre il contenuto. Questo tipo di scatti dipende dalla modifica di qualcosa all'interno dello spettatore che rende lo scatto significativo in qualche modo - intellettualmente, psicologicamente o emotivamente.

I miei scatti "cattivi" sono quelli che non hanno quel qualcosa in più, gli scatti "buoni" sono quelli che risuonano non solo con me ma, spero, con le menti di una buona parte degli spettatori. Il buon tiro colpisce punti universali.

La risposta al perché è perché capire una buona foto e scattarne una sono abilità diverse. Pensala in questo modo: puoi dire quando qualcuno suona male uno strumento musicale? Probabilmente. Sai suonare meglio lo stesso strumento? A meno che non ti sia allenato in quel particolare strumento, probabilmente no. Hai mai pensato che un film fosse brutto? Io ho! Potrei scrivere, dirigere o recitare bene in un film? No.

Le abilità legate alla critica di una foto hanno a che fare con il riconoscimento di cose come la composizione, l'illuminazione, la messa a fuoco, ecc. Le abilità necessarie per scattare una foto hanno a che fare con l' acquisizione di una buona composizione con una buona illuminazione e una buona messa a fuoco.

Il modo per migliorare in quasi tutte le cose è con una pratica deliberata . Scegli un pezzo del puzzle con cui hai problemi e scatta un sacco di foto in cui provi a migliorare quell'aspetto. L'ho fatto con attenzione, per esempio. Avevo molti problemi con la messa a fuoco nelle mie foto, quindi ho letto diverse tecniche per migliorare la messa a fuoco. Poi sono uscito e ho fatto un sacco di foto in cui ho cercato di migliorare la messa a fuoco nello scatto usando queste tecniche. Alla fine ho raggiunto un punto in cui ero felice di ciò che stavo catturando ed era tempo di migliorare la prossima cosa sulla mia lista.

Circa 15 anni fa ho seguito un corso di fotografia. Stavamo ancora utilizzando la pellicola, poiché le fotocamere reflex digitali erano troppo costose. Uno dei nostri insegnanti ci ha detto di non aspettarci più di una buona ripresa per ogni rotolo di film (di 36 riprese). Ciò significava caricare un rotolo sulla fotocamera, scattare foto e sviluppare il film avrebbe comportato al massimo uno scatto utilizzabile.

Credo che la stessa regola si applichi ancora oggi. Devi fare un sacco di foto per ottenerne solo un paio. Dopo anni di pratica, questo rapporto migliorerà leggermente, ma mi aspetto di fare molte foto cattive e solo alcune buone.

Sembra che tu sia un fotografo di paesaggi / strade / architettura. Alcuni pensieri per questa disciplina.

Quando trovi una scena che ti piace, prova a girare alcune prospettive totalmente diverse invece di quella che sembra vincente . Spesso l'immagine migliore è più quella di catturare una qualità ineffabile della scena che essere tecnicamente interessante .

Un altro ottimo esercizio è scattare con una sola lunghezza focale per un po ', eventualmente con la pratica sarai in grado di anticipare le immagini prima di sollevare la fotocamera.

Ciò richiede sempre pratica, per tutti, anche per i maestri.

Nessuno scatta immagini perfette al 100%.

Considerando la foto nella domanda. Le lunghe esposizioni serali tendono ad avere una luce incolore molto piatta, anche se sembrano incredibilmente colorate agli occhi del fotografo. Probabilmente hai visto colori sorprendenti riflessi nell'acqua e presenti nel cielo che hanno dato un senso a questa composizione.

Penso che le foto "cattive" siano necessarie per il confronto. Senza prove ed errori, non si sarebbe in grado di definire ciò che è buono o cattivo.

A mio avviso, si dovrebbero combinare i progressi di entrambi: l'impulsività e la fotografia più ponderata. Pertanto, si consiglia di portare sempre con sé una fotocamera tascabile (o una fotocamera del telefono di buona qualità). Continua a scattare istantanee impulsive di tutto ciò che ti interessa, quindi, se hai tempo, controlla i risultati lì sul posto e vedi se riesci a fare meglio. Non è necessario salvare tutte le foto scattate.

Inoltre, consuma immagini! Ho imparato personalmente di più sulla fotografia quando ho partecipato a 365 sfide di immagini sui social media, in cui un gruppo di persone sta cercando di scattare una foto per ogni giorno dell'anno, pubblicarle in un gruppo e discuterne. Vedere le foto scattate da altri e ottenere alcuni commenti è il processo più gratificante ed educativo.

L'arte è qualcosa su cui puoi costantemente imparare e migliorare. Non è che non smetti di scattare foto brutte (anche se sì, si verificherà comunque un errore occasionale), è che la tua opinione di "buono" e "cattivo" cambia drasticamente man mano che la tua abilità aumenta.

Faccio fotografia professionalmente come lavoro secondario e ho foto che scartano come "cattive" che altri pensano siano grandi foto. Allo stesso modo, se rivisito vecchie foto, mi chiedo come abbia mai pensato che molte delle mie prime foto fossero buone.

Nella mia esperienza, le percentuali di successo migliorano un po ', ma non ti sbarazzerai mai completamente delle foto "cattive" perché parte del processo di apprendimento è l'acquisizione di immagini e quindi vedere cosa ha funzionato e cosa no. Man mano che impari di più su cosa funziona e cosa no, eviti che le cose che sai non funzionano e la qualità aumenta, ma così fa la tua abilità, quindi inizi a cercare nuove cose per squalificare il tuo lavoro come "cattivo" ".

Il rapporto hit to miss è più pronunciato quando si fotografano le persone, soprattutto in seguito nello sviluppo delle proprie capacità, poiché le persone hanno momenti molto più fugaci in cui è possibile scattare foto eccezionali, ma il principio si applica ancora ai paesaggi. Personalmente a questo punto, generalmente ottengo un rapporto 1: 5 per la natura morta e tra 1: 5 e 1:10 per gli eventi. (Non sono affatto un professionista di fascia alta, ma mi classificherei come un intermediario nell'arena professionale.) Il mio punto però è che anche quando diventi davvero bravo nel mestiere, hai ancora molti miss perché alzi costantemente il livello per fare di meglio. (Dipende anche da ciò che consideri i colpi. Per me, qualsiasi cosa che classificherei a 5 stelle conta come un colpo, ma c'è ancora una grande varietà all'interno di tale intervallo.)

Un tasso di successo 1:10 per la natura morta è molto rispettabile. Significa solo che stai ancora imparando rapidamente. È una buona cosa che tu stia ancora imparando a migliorare piuttosto che una brutta cosa che "scatti ancora foto cattive". È davvero una brutta cosa solo se riesci a guardare indietro alle tue foto di 5-10 anni fa e non vedere quanto sei arrivato lontano in quel momento.

Ecco i miei pensieri sconclusionati:

Penso che l'idea di un'immagine "buona" o "cattiva" sia contestuale: se avevi intenzione di esporre l'immagine qui sopra, sì, è brutta. Se stavi semplicemente scattando una foto dell'area con una macchina da presa e non avessi elaborato tu stesso in seguito, allora va bene. Ma se, come me, quando si scattano foto digitali, si scopre che le prime 6-8 sono immagini di "riscaldamento", allora questo è un buon inizio. Da qui vorrei scendere, mettere qualcosa in primo piano per aiutare a trascinare l'occhio degli spettatori nella scena (rocce, più muschio, una barca). Ho scoperto che quando scatto foto di film, voglio semplicemente che la scena sia a fuoco e non scura, ma quando scatto foto digitali, voglio che l'intera scena sia a fuoco, i punti luce recuperati, le ombre visibili, ecc. Ecc.

Quando sto scattando una foto di un film, penso sempre a me stesso "adoro questa composizione / luce / contrasto / qualunque cosa". In caso contrario, o devo pensarci, allora non faccio la foto, ma provo a trovare il motivo per cui ho messo la fotocamera negli occhi in primo luogo all'interno della cornice e mi concentro su quello. Fotografo paesaggi, quindi è più facile della fotografia di persone / animali / sport. Cerco anche di mantenere questa mentalità con la fotografia digitale, spesso faccio una foto in digitale e accetto solo che la luce sia corretta, ecc. Spesso non vedo l'immagine fino a quando non torno sul PC.

Spesso provo prima a "vedere" la scena, non intendo solo le cose tecniche, ma in realtà vedo e sento la scena - c'è una brezza che sposta gli alberi, voglio catturarla? Ci sono stormi di uccelli intorno, da dove viene la luce, come sono le nuvole? Se questa sarà una lunga esposizione (com'era la tua) cosa faranno le nuvole: in quale direzione si stanno muovendo? ecc. È un processo meditativo; Sto cercando di catturare l'essenza di una scena. Troppe volte è più semplice fare clic sul pulsante e successivamente dipendere da Photoshop / Lightroom. Personalmente, usare la fotocamera è l'ultima cosa che faccio quando scatto una foto sul campo.

Non ho mai cancellato una foto; Trovo che quelli "spazzatura" siano quelli da cui impari di più. E spesso, guardare le foto che pensavo fossero spazzatura 5 anni fa con nuovi occhi ti fa apprezzare di più.

Come te, soffro anche di un'incapacità frustrante di produrre foto "buone". Hai ammesso di essere uno "studente di dottorato che studia le neuroscienze cognitive della visione". Forse posso aiutarti ad apprezzare la tua situazione dal punto di vista "scientifico":

Quando decidi di scattare una foto, stai vivendo in prima persona l'intero ambiente di una scena. I tuoi occhi e il tuo cervello stanno facendo un lavoro fantastico nel risolvere ciò che ti interessa di più, ma anche altre parti del tuo cervello / corpo stanno dando enormi contributi non apprezzati.

Senti l'odore dell'aria, senti la temperatura, assumi l'intera scena mentre giri la testa; il tuo umore in quel momento e le persone che sono o non sono presenti influenzano anche i tuoi sentimenti in quel momento.

Quando arrivi a casa, nella tua foto mancano tutti quei dati "extra". Anche se può essere una misura estremamente accurata dei fotoni sulla scena, la tua foto è lì, morta, come la foto di una vacanza di uno sconosciuto.

La fotocamera ha appiattito la gamma di colori e la gamma di esposizione. Non ha la capacità di evidenziare e migliorare quelle piccole parti della scena che il tuo occhio / cervello ha fatto istantaneamente e istintivamente. La fotocamera ha ignorato completamente l'odore dell'aria e il tocco della brezza sulle guance. Rimani - insieme ai tuoi spettatori - con qualcosa di meno di una vista attraverso un semplice tubo di cartone.

Fino a quando non sviluppiamo un dispositivo che acquisisce tutte queste informazioni extra, dobbiamo affidarci a Art per aiutare a ricreare quell'umore. Le tecniche artistiche raccolte da migliaia di anni di esperienza umana possono aiutare a implicare o instillare i sentimenti sconosciuti alla fotocamera. Composizione, miglioramento del colore, messa a fuoco, illuminazione e molti altri possono aiutare a compensare le perdite, ma richiedono abilità da usare.

Con desiderio, pazienza e tempo puoi imparare ad usare le tecniche artistiche che possono aiutarti a compensare ciò che è stato filtrato dalla tua esperienza.

Auguriamo a entrambi fortuna.

Penso che tu abbia ragione a dire che non puoi "vedere la foresta per gli alberi", che è anche conosciuta come "visione a tunnel" o, in combattimento, in particolare l'aviazione da combattimento, come "fissazione del bersaglio".

Ho lo stesso problema in un altro dominio, la progettazione di software e hardware, che mi fa fissare spesso su componenti banali e finisco con un design troppo complesso e fragile ... che poi mi siedo sul fuoco e ricomincio con qualcosa di meglio integrato e più semplice.

Anch'io stavo andando nelle scienze cognitive, ma i computer hanno pagato molto meglio negli anni '80, ma continuo a tenere una mano. Nessuno ha fatto più ricerche sulla percezione e sul processo decisionale rispetto ai militari, quindi ho controllato le fonti militari per vedere come ottenere il mio legame con il design.

I militari addestrano i piloti a rompere la fissazione del bersaglio costringendosi a distogliere lo sguardo dal bersaglio, spesso sopra la spalla, quindi di nuovo indietro. Questo viene eseguito costantemente, la testa del pilota non è mai ferma. Potrebbe essere l'origine effettiva del termine "collo di gomma"

Un metodo secondario consiste nel distogliere leggermente lo sguardo, poi indietro, ma fissandolo su una parte diversa del bersaglio, ad esempio la punta dell'ala sinistra.

Entrambi i metodi sembrano funzionare forzando una rivalutazione dell'obiettivo nel suo insieme. Il primo metodo sembra indurre il cervello a vedere il bersaglio come qualcosa di nuovo. Promuove anche la consapevolezza del bersaglio nel contesto totale dello spazio di battaglia, consentendo al pilota di decidere meglio se il bersaglio è effettivamente la priorità. Il secondo metodo invece va dall'altra parte, innescando una rivalutazione dal basso verso l'alto, che collega le parti più piccole al tutto più grande e allo spazio di battaglia in generale.

Nel caso della fotografia, si dovrebbe distogliere lo sguardo dall'immagine mirata visualizzata nella fotocamera e / o focalizzare intenzionalmente la propria attenzione su sottozone casuali dell'area focalizzata. Distogliere lo sguardo e innescare innescerebbe la rivalutazione e ti aiuterebbe a valutare in che misura il generale ... chiamarlo "spazio estetico" ... influenza la tua percezione della qualità della vera area fotografata. Concentrarsi su sottozone casuali potrebbe innescare una migliore consapevolezza della composizione interna, quella creata dai vari elementi all'interno della foto più grande.

Tutto solo una supposizione però. Nessuna ricerca di cui sono a conoscenza in merito, ma ci sono riuscito.

Cosa vorresti mostrare? Il movimento dell'acqua, il tramonto, la natura / alberi, le linee, i colori ecc

Quale posizione o angolo migliorerebbe lo scatto? Ad esempio, la videocamera punta leggermente verso il basso, il che rende le aste di recinzione non verticali. Se il focus fosse forse le linee, allora forse queste funzionerebbero meglio in posizione verticale, più gradevoli alla vista.

Treppiede, non correre, scatta più di una foto. Quando guardi attraverso il mirino / lo schermo LCD, visualizza l'immagine finale.

Un detto:

La persona prende la grande foto, Photoshop può renderla fantastica.

Se la foto non è nitida, composizione scadente ecc., Photoshop non può essere d'aiuto.

Giocare: la fotografia è divertente, alcuni di noi vengono pagati per farlo, è ancora divertente. Alcuni consigli:

incendi in remoto il treppiede o imposta la fotocamera sull'otturatore di 2 secondi, usa lo zoom sull'LCD per ottenere un'immagine davvero nitida per scatti ampi come il tuo post, riduci quell'apertura. f22 ecc. prova foto da diverse altezze, dal pavimento / vita / testa ecc. prova a scattare foto mantenendo la fotocamera perfettamente in piano, vedi il risultato se non hai il treppiede, appoggia le braccia su un oggetto, appoggiati a qualcosa. infine: impara tutto ciò che puoi sulla tua fotocamera e gioca / riproduci / riproduci

Cosa fai che ti permette di pensare in modo critico e vedere l'intera scena in modo obiettivo prima di sprecare film o megabyte?

Confermo la presenza di elementi di base come la qualità della luce, un soggetto che posso isolare e dare priorità visivamente , la finestra temporale ideale e, ultimo ma non meno importante, è persino interessante.

Dato che sono pienamente in grado di identificare una cattiva foto, perché non riesco a impedirmi di premere il pulsante di scatto quando la vedo nel mirino?

Certamente, premilo. Quindi cerca qualcosa di meglio. Va bene abbandonare il soggetto / approccio originale.

Potrebbe essere che i grandi come W. Eugene Smith abbiano in qualche modo imparato a vedere rapidamente ogni parte di una scena e siano stati in grado di decidere se fosse una buona ripresa o meno prima che passasse il momento? È un'abilità che è naturalmente presente in alcune persone o la maggior parte dei fotografi deve fare una sorta di rigoroso allenamento degli occhi per arrivarci?

Non devi essere un grande. Lo faccio, ma gran parte del pensiero è davvero previdente e anticipazione. Leggera, puoi valutare costantemente man mano che procedi. Vai verso o rimani nella buona luce. Gestisci la distanza di lavoro in base alla lunghezza focale prescelta e al soggetto che prevedi mentre procedi. Quando esco di casa con una macchina fotografica, ho impostato l'ISO in base alle condizioni di illuminazione previste e forse anche all'esposizione. Quello che so, vado avanti e mi preparo, quindi avrò il meno possibile a cui pensare quando accade l'imprevisto.

Citi la ritrattistica. Bestia diversa con le sue regole, ma in realtà gli stessi elementi costitutivi.

Per me dipende dal fidarmi dei miei gusti, dal gradire ciò che mi piace e dall'elevarlo quando lo trovo. Altre passioni come la fantascienza contribuiscono. Sicuramente altri fotografi ("Cosa farebbe Doug Menuez?").

Inoltre, guarda questo .

Dalla tua specializzazione nelle neuroscienze cognitive della visione, sai già tutto sulla composizione, i principi della gestalt e molte altre teorie su come il cervello gioca con la nostra visione e ciò che piace a lui.

Perché scatti quando sai che la fotografia sarà uno spreco, posso solo immaginare che sia dovuto al mezzo che stai scattando, digitale. Se sei già esperto nel lato tecnico dello scatto di una fotografia, ti stai precipitando, perché il costo opportunità di questi scatti è vicino allo zero.

Se vuoi imparare a girare in modo più mirato, potresti provare a passare al cinema per un po '. Lì hai solo 36 colpi per tiro e costano sia in denaro che nel tempo per sviluppare e ingrandire una copia. Potresti anche andare fino alle fotocamere di grande formato (solo due scatti per telaio e ogni telaio occupa molto spazio e un po 'di peso), il che è principalmente indicato che i tuoi soggetti saranno per lo più fermi (ritratti, paesaggio e architettura) , per non dire che non è possibile scattare una foto di un soggetto in movimento, ma basta impostare la fotocamera per un po 'di tempo.

Non dimenticare che i maestri per fortuna hanno ottenuto circa 3 scelte da un intero film. Ma loro e i loro redattori erano probabilmente molto più severi di quello che abbiamo oggi.

Stampa del foglio di contatto: Audrey Hepburn in Funny Face David Seymour - Per gentile concessione di Magnum Photo