Perché la fotografia "pura" ha sostituito il pittorismo in modo così completo?

Inizialmente, i primi fotografi erano più interessati alla scienza e alla tecnologia della fotografia che all'arte, e i risultati erano in gran parte asciutti.

Ciò è cambiato relativamente rapidamente e uno dei primi movimenti importanti è stato il pittorismo fotografico rappresentato da gruppi come Photo-Secession . L'idea generale di questo movimento che le fotografie diventano arte per atto intenzionale della creazione del fotografo, piuttosto che rappresentare semplicemente ciò che si trova davanti all'obiettivo. Ciò comporta generalmente un'attenta stadiazione e manipolazione fotografica.

Questo movimento fu effettivamente schiacciato dalla fotografia di Straight , come sostenuta da Ansel Adams, i Weston e gli amici; l'idea di base è semplicemente che una fotografia "pura" potrebbe rappresentare l'arte per i suoi meriti; che registrare ciò che era di fronte all'obiettivo con abilità tecnica (compresi, ovviamente, composizione e tempistica) è la vera chiave della fotografia come forma d'arte.

Questa idea ebbe molto successo e il movimento pittorico in quanto tale morì nella prima metà del XX secolo. I fotografi etero erano semplicemente così riusciti a trasmettere il loro messaggio che i pittori sono diventati irrilevanti? Era il momento storico del 20 ° secolo? O qualcos'altro?

Ora, nell'era digitale, con chiunque sia un fotografo e con abilità tecniche livellate da superbe modalità automatiche, il messaggio del movimento pittorico risuona di nuovo? O, al contrario, la facilità con cui il software trasforma le fotografie in "arte digitale" manipolata significa che la visione pura per la fotografia lineare è più importante per la fotografia come forma d'arte separata?

Quindi siamo tutti sulla stessa pagina, ecco una definizione di pittorismo :

In genere, una fotografia pittorica sembra priva di una messa a fuoco nitida, viene stampata in uno o più colori diversi dal bianco e nero (che vanno dal marrone caldo al blu intenso) e può presentare pennellate visibili o altre manipolazioni della superficie. Per il pittore, una fotografia, come un dipinto, un disegno o un'incisione, era un modo di proiettare un intento emotivo nel regno dell'immaginazione dello spettatore.

Un esempio:

La ciotola nera, 1907. George Seeley. fonte

La mia opinione: una nuova tecnologia, un nuovo mezzo narrativo, tenta di ottenere l'accettazione emulando qualcos'altro che già esiste, in questo caso i dipinti. Ad un certo punto il nuovo mezzo viene accettato e non deve più emulare nessuno.

Non penso che abbiamo bisogno di più di questo per spiegare l'ascesa del pittorismo ("vedi, possiamo fare in modo che una foto assomigli quasi a un dipinto") e la caduta ("non importa, concentriamoci su ciò che la fotografia può fare la pittura non può ").

Potrebbe anche spiegare perché la pittura è diventata astratta per autodifesa :)

Wikipedia sull'arte astratta :

L'arte occidentale era stata, dal Rinascimento fino alla metà del XIX secolo, sostenuta dalla logica della prospettiva e dal tentativo di riprodurre un'illusione della realtà visibile.

Probabilmente, le abilità di riprodurre la prospettiva e la realtà a mano sono diventate meno preziose quando i fotografi potevano farlo meglio semplicemente facendo clic su un pulsante. Quindi la pittura ha difeso il suo territorio de-enfatizzando l'aspetto "riprodurre la realtà" e alzando l'aspetto "interpretazione artistica", attraverso l'impressionismo, l'espressionismo, il cubismo ecc.

Inizialmente, la fotografia ha cercato di seguire, poiché la pittura era ancora il re della collina del mondo dell'arte. È qui che è arrivato il pittorismo.

Wikipedia descrive la fotografia retta come un movimento estetico che va dai 1880 circa agli anni '70. Negli anni '30 fu definito come

Per pura fotografia si intende che non possiede qualità di tecnica, composizione o idea, derivata da qualsiasi altra forma d'arte.

Quindi la fotografia diretta potrebbe essere descritta come il movimento di indipendenza della fotografia, sostenendo essenzialmente che la fotografia è un'isola, tutta se stessa, e non ha bisogno di alcuna influenza puzzolente da altre forme d'arte.
Immagino che il successo sia stato in parte rendersi conto che inseguire la pittura era piuttosto inutile, specialmente quando la pittura si ritirò su un terreno più elevato (più astratto); in parte si rende conto che c'era un sacco di territorio inesplorato nella fotografia di base; parte che sporge un prato domestico difendibile basato sui punti di forza naturali della fotografia rispetto alla pittura. E, naturalmente, direttamente dalla fotocamera è molto meno lavoro che una manipolazione pesante, soprattutto dati gli strumenti del tempo.

Nell'era digitale, non penso che ci sia molta risonanza con il messaggio pittorico in quanto tale. I pittori cercavano di fare "possiamo sembrare un dipinto se vogliamo" in un momento in cui la pittura era l'apice dello sforzo artistico.

Nell'era digitale, la fotografia è già accettata e ha dimostrato la sua indipendenza, e ci sono generi di pittura in cui l'influenza va nella direzione opposta, come il fotorealismo negli anni '60 e l' iperrealismo negli anni 2000 .

Nell'era digitale, un fotografo artistico probabilmente vorrà fare qualcosa di diverso dal passato, proprio come un pittore contemporaneo probabilmente non cercherà di emulare la pittura del 19 ° secolo. Non c'è molta gloria nel copiare Ansel Adams 50 anni dopo. I fotografi di oggi hanno gli strumenti per fare ciò che Ansel Adams non potrebbe fare e sarebbe sciocco non usarli.

In futuro, mi aspetto che la fotografia prenderà in prestito pesantemente, e forse si fonderà con, forme d'arte come film, video e computer grafica. È un'evoluzione naturale: se accettiamo la fotografia come narrazione di storie, più strumenti per raccontare una storia nel modo in cui vogliamo che venga raccontata non può che essere un miglioramento.

Penso che sia importante riconoscere che non c'è niente di speciale nella fotografia diretta: è stato un particolare movimento stilistico di grande impatto storico, ma non c'è nulla che dica che è l'unico modo per fare fotografia. Confronta con la pittura, che ha avuto centinaia di movimenti stilistici nel corso dei secoli, ognuno dei quali passa di moda e cambia come tecnologia, società e gusti cambiano. Non è più o meno giusto, è solo una questione di più o meno di moda in un determinato luogo in un determinato momento.

Niente di tutto ciò invalida la fotografia diretta, niente più che l'arte astratta o la fantasia invalida il realismo. Sono semplicemente forme di espressione diverse, generi diversi e possono benissimo coesistere pacificamente.

Rimuoviamo la principale domanda in sospeso fin dall'inizio: l'idea che la "fotografia retta" (qualunque cosa si supponga significhi) sia l'unico uso legittimo per gli strumenti della fotografia è altrettanto sciocca e miope come la l'idea che l'espressionismo astratto sia l'unico uso artistico legittimo per la pittura. Entrambi elevano il semplice mezzo allo status dell'Arte e quindi rivendicano l'esclusività su quel mezzo. L'espressionismo astratto dà alla vernice e al suo metodo di applicazione il primato su tutto il resto; la "fotografia retta" rivela l'idea che quasi 200 anni fa l'umanità ha trovato un modo per rendere le ombre più o meno permanenti. Grande affare peloso al momento. La novità dovrebbe essere ormai svanita.

Tutta l'arte è narrativa. E tu sai cosa? A volte la storia può essere semplice come "L'ho visto e mi ha commosso molto". O addirittura, "questo esisteva". Non c'è nulla di fondamentalmente sbagliato in un'ode sul colore rosso, un'espressione di quanto possa essere grandiosa o intricata la natura, o semplicemente il ricordo di come tua figlia ha guardato all'età di sei anni. Ma il documentario è solo un uso rudimentale del linguaggio della fotografia, e quel linguaggio è passato da pidgin a creolo. C'è un vocabolario molto più ampio disponibile ora che mai, e la grammatica ci offre molto più di un presente telegrafico legato al contesto. Possiamo girare poesie, scrivere romanzi ed esplorare "what if", quindi perché limitarci al giornalismo anche magistralmente scritto?

L'incarnazione originale del pittorismo (e dei suoi discendenti nel mondo a base d'argento) è stata ostacolata in molti modi. Le difficoltà tecniche legate alla creazione di qualcosa che non è mai stato sono solo superficialmente evidenti per la maggior parte delle persone di oggi (fino a quando non hai davvero trascorso del tempo a lavorare con matite affilate, un pennello da 6-0 o un aerografo Pasche Turbo sotto una lente di ingrandimento, hai nessuna idea) e l'atto di comporre gli elementi era quasi semplice rispetto all'atto di catturarli. La maggior parte di ciò che è stato prodotto era tecnicamente pessimo, e l'unica ragione per cui gran parte di essa ha attirato l'attenzione era a causa della scarsa familiarità delle persone con il mezzo: semplicemente non sapevano come "leggere" una fotografia. (Riesci a immaginare qualcuno che oggi si innamori delle Fate di Cottingley o dell'ectoplasma?) Per farlo nel modo giusto set-building, costumi, illuminazione cooperativa, enormi quantità di noioso lavoro di post-produzione (senza errori) e rimanendo ampiamente nel regno di ciò che era fisicamente possibile (pose che potrebbero essere mantenute per alcuni secondi, ecc.). In quanto tale, si occupava principalmente di "arte seria" e "grandi idee", ma aveva il vocabolario di un pidgin e una grammatica che si basava principalmente sull'allusione (come l'episodio Tamarian dell'episodio TNG di Star Trek Darmok). Se non sapevi cosa significassero i costumi e l'assemblaggio come icone e non riconoscevi il dipinto di sfondo come, diciamo, i Campi Elisi, allora potevi giudicare il lavoro solo per il suo merito estetico: il messaggio di fondo era perso . È stato molto simile a guardare la prima pittura medievale senza conoscere l'iconografia del gesto o che quell'aquila laggiù è San Giovanni Evangelista.

Bene, molto più degli umani e dei cavalli morirono nella prima guerra mondiale. La saggezza degli anziani, i classici (su cui furono nutriti gli asini che portarono i leoni alla morte), gli stessi dei perirono tutti nel fango di No Man's Land. Il significato ha perso il suo significato¹, e abbiamo iniziato ad esplorare la natura stessa del significato in Dada, Surrealismo, semiotica e tutte le altre strade di approccio che alla fine si sono coalizzate nel Postmodernismo. Il mondo si è trasformato nell'immediato, ora, con la sensazione che il passato non avesse più senso e che domani non potesse mai venire. Dove la natura ha resistito, il Romanticismo è tornato alle sue radici con una nuova urgenza: la Natura era l'Eterno che avevamo il potere di finire; eravamo responsabili della sua salvezza perché altrimenti saremmo stati la sua morte e dovevamo imparare a trattenerla in soggezione. (E non commettere errori a riguardo, Ansel Adams non era un realista clinico; tutto ciò che ha fatto si è rivelato ed esagerato per esprimere il suo timore reverenziale, più o meno allo stesso modo in cui il suo modo di suonare il piano ha sofferto di un eccesso di dinamiche e rubati. Era un romantico senza speranza.)

Gran parte di questo è appena coinciso con significativi progressi nella tecnologia. I pratici design a doppio Gauss sostituirono in gran parte gli obiettivi Petzval e persino i design successivi trasformarono le capacità della fotocamera; lastre e pellicole ragionevolmente sensibili, ragionevolmente in grado di contenere i dettagli ed emerse una vasta gamma ortocromatica o pancromatica. Non solo puoi scattare una foto che sia "reale" e "ora", ma diventa molto più difficile realizzare un falso convincente. Il lavoro mostrerebbe e sarebbe ovvio. Con abbastanza sforzo, potresti costruire "l'impossibile" come set ed essere lasciato con quello che era, per il momento, il ritocco minimo ( Dali Atomicusmi viene in mente), oppure potresti provare l'assemblaggio (che generalmente si presenta come un dipinto piuttosto che una fotografia; trovo espressioni "puramente fotografiche" del concetto, come il lavoro di Jerry Uelsmann, assolutamente non convincente per la maggior parte del tempo). Tuttavia, una certa quantità di molestie, o qualche abilità narrativa mescolata al reportage, è sempre stata una buona cosa. C'è una ragione per cui tutti conoscono Ansel Adams ed Edward Weston, ma dannatamente pochi hanno sentito parlare di Minor White (che potrebbe pulire il pavimento con uno di loro come operatore di camera e tecnico per camera oscura).

Nonostante la legittimità della "fotografia diretta", ora abbiamo gli strumenti a nostra disposizione per raccontare diversi tipi di storie in un modo davvero convincente. Alcune di quelle storie sono fantasy, mito o fantascienza; alcuni esplorano il "perché non" piuttosto che il "perché". Dobbiamo davvero costruire vasti set o trasportare i nostri soggetti (e un camion carico di attrezzature) in un luogo, sperando in una confluenza della luce giusta, del tempo giusto e della luna in Capricorno per rendere legittima l'espressione? O è semplicemente illegittimo usare il realismo della riproduzione fotografica dei vari elementi che potrebbero essere fotografati nell'esprimere quella storia?

Non lasciare che il 90 percento dei tentativi ti dia fastidio. Questa è solo la Legge di Storione in azione. (Francamente, penso che il vecchio Theodore fosse un po 'troppo generoso lì.) Almeno il 90% della "fotografia diretta" (e intendo "fotografia seria seria") è anche una schifezza, e il plus digitale "P for Professional" non lo è' non ci aiuta affatto. Quindi la merda è a fuoco e ben esposta (per un certo valore di ben esposta). Le storie ben raccontate rimarranno ancora in evidenza; l'elegante poesia risuonerà ancora più in profondità di un limerick vagamente cattivo. Il lavoro di Jamie Baldridge è più inquietante e stimolante come fotografie lavorate di quanto non lo sarebbe mai stato come un dipinto; Le silenziose contemplazioni di John Paul Caponigro sussurrano più dolcemente, ma con più enunciazione.

Alla fine, le storie che scegli di raccontare sono le tue. L'idea che non si possa coniare una nuova parola o frase quando è richiesta, o prendere in prestito una parola da un'altra lingua, è un'imposizione artificiale, sia imposta esternamente che internamente. Nessuno sta costringendo gli storici a scrivere fantascienza, ma nessuno storico ha il diritto di dire che la fantascienza è in qualche modo un'espressione illegittima del pensiero umano.

^{¹ Quanto è stata completa la morte dell'allegoria e dell'allusione classiche? The Waste Land di TS Eliot era leggibile dalla maggior parte dei suoi colleghi e contemporanei; i bambini di oggi che la studiano a scuola hanno bisogno di note a piè di pagina e riferimenti per cercare le allusioni bibliche e mitologiche e potrebbero dover leggere interi libri per capirne il significato.}

Sviluppo della fotografia - dalla scienza all'arte

Ci sono due tipi di persone nella fotografia. Quelli che vogliono fare fotografie e quelli che vogliono creare arte. Quando la fotografia era giovane, c'erano solo le persone menzionate per prime. Non era nel concetto che le fotografie potessero essere usate nell'arte. Fino a quando queste persone, che volevano anche dire qualcosa, per creare arte, trovavano la fotografia interessante.

Il pittorismo non ha nulla a che fare con l'arte in sé. È stato un tentativo di definire ciò che è arte nella fotografia, in un momento in cui la fotografia era ancora nuova. Ma l'arte è ciò che sentiamo, non gli strumenti utilizzati, e la fotografia è stata presto accettata (solo 100 anni) come strumento per creare arte, rendendo così inutile l'idea alla base del pittorismo. Quindi la domanda è su cosa è cambiato in fotografia per renderlo uno strumento per l'arte.

Lo strumento documentario inizia a vedere la bellezza

Ripensa a ciò che era prima dei tempi della macchina fotografica e delle fotografie. Era il tempo dei pittori, e in particolare dei ritrattisti. La prima "guerra" non fu tra fotografi, ma tra pittori e fotografi. I pittori si guadagnavano da vivere con i ritratti di persone ricche. Era il guadagno di un pittore a rischio quando la fotografia stava iniziando a prendere parte al business del ritratto.

Una delle argomentazioni dei pittori era che una fotografia semplice non potesse migliorare l'aspetto del soggetto. Che un pittore sia l'unico in grado di adulare il soggetto e farlo ricordare in modo favorevole per sempre, poiché solo i pittori possono distorcere e trasformare le immagini come desiderano. La fotografia ha cercato il modo di rispondere a questa sfida, ed è così che vedo questo pittorismo. Ma i fotografi eterosessuali avevano solo bisogno di imparare a far apparire bene i loro soggetti, senza manipolazioni "artistiche".

Verso la fotografia indipendente adulta

..il movimento pittorico in quanto tale morì nella prima metà del XX secolo. I fotografi etero erano semplicemente così riusciti a trasmettere il loro messaggio che i pittori sono diventati irrilevanti?

Il pittorismo era il modo per far accettare la fotografia come un modo per creare arte. In altre parole, stava cercando l'accettazione con scuse silenziose per aver sconfinato nel quartiere dell'arte con uno strumento documentario.

In questo caso il quartiere era arte dipinta. Una fotografia è così vicina a un dipinto come mezzo, che un effetto New-kid-on-the-block era inevitabile. Devi dimostrare il tuo valore. Come con i ritratti contro le fotografie di ritratti, in generale è come se i pittori dicessero "Non puoi fare QUESTO" e ottenessero la risposta del fotografo "Sì, posso" e segue uno spettacolo. Questo è pittorismo, o meglio, è il "Perché" dietro tutto il resto. E c'è anche la risposta a "Perché il pittorismo è morto così in fretta?". Succede prima o poi,E cos'è questo? È la fotografia eterna! Una pura immagine nitida della realtà. E così la fotografia diventa un adulto cresciuto e passa a vivere la propria vita indipendente senza più bisogno di provare nulla.

Il vecchio è sempre sfidato dai giovani

Ma il pittorismo è ancora qui oggi? Sì, se pensiamo ai fotografi più giovani che dimostrano il loro valore per i vecchi fotografi. Non lo definirei comunque pittorismo. Le persone che hanno fatto solo il digitale spesso non riescono a immaginare quali difficoltà ci siano state nella fotografia sul film. Non molto tempo fa erano (ed è ancora?) I digitali bisognosi di dimostrare il loro valore ai loro colleghi di cinema. Il dibattito tra vecchio e nuovo è eterno e ciò che è nuovo diventerà vecchio o perderà il dibattito e morirà giovane.

In fotografia la parola chiave è "apprendimento". L'idea è in qualche modo simile alle domande e risposte è difficile, andiamo a fare shopping nel senso che è difficile ottenere abilità e talenti elevati per far apparire bene il tuo soggetto nella fotografia lineare, ma ragionevolmente facile fare acquisti per attrezzature migliori e software potente con cui per modificare le tue fotografie per colmare il divario tra una foto grezza e le tue aspettative.

E poi, la fotografia?

..la facilità con la quale il software trasforma le fotografie in "arte digitale" manipolata significa che la visione pura per la fotografia lineare è più importante per la fotografia come forma d'arte separata?

Non sono sicuro se lo capisco. La fotografia è una forma d'arte, sia essa manipolata e distorta, o semplice fotografia retta. Cos'è davvero l'arte digitale?

Ciò che considero l'arte digitale è qualcosa che non è ovviamente solo una fotografia, che chiunque può vederla. Potrebbe esserci una fotografia in cui il lavoro è stato fatto, ma sarebbe comunque considerata arte digitale anziché arte fotografica.

Due foto di esempio:

Questa è una fotografia . Direttamente dalla memory card della fotocamera, non ho apportato alcuna modifica. Possiamo definirla una fotografia "pura", se non contiamo la magia di una fotocamera digitale quando disegna le informazioni sui pixel dal sensore di immagine.

Il prossimo:

Questa è arte digitale , realizzata da mio figlio di 11 anni, che voleva darmi la sua impressione della fotografia che ho fatto a sua sorella di due anni. Certo c'è una fotografia lì, ma ovviamente rientra nella categoria dell'arte digitale.

Solo la fotografia inalterata è dritta?

Dove disegnare la linea, esattamente? Ci sono dei buoni esempi della potenza della post-elaborazione sotto i Buoni esempi dei vantaggi di RAW rispetto a JPEG e in particolare una delle risposte con un paio di foto di @EtienneT. Perché la foto modificata non dovrebbe essere arte fotografica anziché arte digitale? Per me è ancora una fotografia anche con tutte le regolazioni fatte.

Non abbiamo fatto questo lavoro di adattamento sulle nostre fotografie sin dall'inizio? Guarda questo video sull'esecuzione di una stampa in bianco e nero in cui la ragazza inizia alle 9:00 minuti con l'originale e spiega il processo di "regolazione" per i successivi quattro minuti del video. Questo genere di cose è stato fatto per sempre. Solo ora è un software per fare il lavoro. Dopotutto, non esiste una fotografia inalterata.

La fotografia diventa digitale

Ora, nell'era digitale, con chiunque sia un fotografo e con abilità tecniche livellate da superbe modalità automatiche, il messaggio del movimento pittorico risuona di nuovo?

Buona domanda. Cos'è il Vecchio e cos'è il Nuovo oggi? La fotografia digitale è il nuovo capretto, e ha cercato di sembrare bella come la fotografia di un film. Ma allo stesso tempo la fotografia digitale è anche la Vecchia. Forse sono i vecchi fotografi a essere infastiditi dal nuovo modo senza sforzo (anche per non sfidare?) Che i giovani fotografi si avvicinano alla fotografia. Più o meno allo stesso modo dei pittori che una volta provavano per la fotografia.

Quando emergono nuovi modi di creare arte, ciò non significa che i vecchi modi e strumenti diventino meno importanti. Questo non è un gioco a somma zero.

Penso che sia stato davvero lo sviluppo dell'estetica fotografica. Il primo lavoro è stato forse fondamentale nella sua definizione, ma è stato rapidamente scoperto che la composizione e la selezione del soggetto ha un impatto maggiore su come l'immagine racconta una storia rispetto agli aspetti più laboriosi di un'attenta manipolazione fotografica. In termini di sforzo, è stato semplicemente più conveniente per scegliere l'aspetto giusto di ciò che si trova di fronte all'obiettivo che cercare di controllare lo sviluppo così strettamente. Può anche essere che, a causa del loro accresciuto realismo, le foto non abbiano risuonato allo stesso modo di concetti simili applicati alla pittura.

Detto questo, con l'avvento di strumenti digitali che consentono ai fotografi un grado di controllo e una capacità molto maggiori di affinare il proprio lavoro. Penso che stiamo vedendo più di un diverso tipo di ritorno ad alcuni dei concetti alla base di Photo-Secession. Sta diventando sempre meno una questione di catturare ciò che è davanti all'obiettivo e più una questione di migliorare ciò che è davanti all'obiettivo o persino inventare qualcosa che non esiste come viene visualizzato attraverso strumenti fotografici. Sembra ancora essere un miscuglio in termini di popolarità, ma sembra essere una tendenza in crescita.

Nota dei curatori:

L'erudizione di questo pezzo potrebbe non essere stata riconosciuta. O maggio.
Il seguente commento sulla domanda sembra essere inaccessibile ad alcune menti e, forse, anche a una maggioranza sostanziale. Questi potrebbero non essere quelli che desideri, vai avanti.
Altrimenti, come il primo dei "fa" es di

• Ora, nell'era digitale, con tutti un fotografo e con abilità tecnica livellate dalla modalità auto superba,
  fa ancora una volta il messaggio del pictoralist movimento di risonanza? O, al contrario,
  fa la facilità con cui giri software fotografie in manipolata "arte digitale"
  significa che la visione pura per la fotografia rettilineo è più importante per la fotografia come forma d'arte separata?

è visto dall'intervistato come una verità evidente, se non una vera e propria tautologia, e poiché il secondo dei "do-es" è simile ad esso, ma il "mezzo che" viene negato, cerca di commentare in un forse illuminato ma, probabilmente, solo un modo oscuro sulle motivazioni sottostanti che hanno dato vita a questa catastrofe, mentre respinge fuori mano l'accumulo che la semplice eccellenza tecnologica è il motore dietro il decadimento.

L'oscuro riferimento al motto della Contea di Clackmannanshire (vale a dire "Guardati bene") è una semplice affezione. Il nuovo motto ("Dal 2007 in poi" "Più di quanto tu possa immaginare", è esso stesso visto come un'indicazione che il marciume non si limita alla deturpazione della forma fotografica, ma si è diffuso negli slogan della contea e in altre aree di espressione sacrosanta fino ad ora. Così ...

Pictorialism Wars - The Instagram colpisce ancora!

Sto ancora cercando di determinare cosa:
modificazioni genetiche
e o chirurgia cerebrale
e / o filtri e distorsori mentali o ottici e
/ app / modalità / plugin / ...
Ho bisogno di acquistare / acquisire / montare / installare / caricare / scaricare / patch / ...
ai miei sistemi wetware (o qualsiasi altro sistema)

per permettermi di vedere il mondo e le immagini di instagram come gli altri evidentemente le vedono in
modo che anche io possa partecipare con abbandono / gioia / piacere / soddisfazione a quella che finora sembra principalmente una inutile distruzione distorta e distorta del buon vecchio feed ottico del cervello quotidiano.

Photoshop in soccorso - ci sto ancora lavorando ...

Ansell Adams: Potrebbe essere andato un po 'lontano dall'altra parte. Forse potrebbe aver tradito un po 'alcune misure in una brutta giornata. Forse no.

Ri

Ora, nell'era digitale, con chiunque sia un fotografo e con abilità tecniche livellate da superbe modalità automatiche, il messaggio del movimento pittorico risuona di nuovo?

Mannifestamente, sì. Guardate bene.
Ma non, credo, per i motivi che elenchi. Oppure, non come fattore predominante.

Ho il sospetto che sia più una tendenza post-moderna, post-post-moderna di Gen XYZT, dove-abbiamo-avuto-di-gen-qualunque-post-qualunque-cosa alla gratificazione post-istantanea, post-live-per-il- giorno, posta [Attenzione: la fornitura di "-" s si è esaurita] se geels fa il cibo, post giovani generazioni in cui è arrivato il mondo, ai miei tempi in salita a scuola in entrambi i modi in fondo a una scatola di cartone del lago senza scarpe , borbotta borbotta ...., importa.

Alla fine della giornata, l'arte di successo è qualcosa che un numero ragionevole di persone trova divertente, commovente, intrigante: inserisci qui il tuo aggettivo positivo. Tutta l'arte di successo crea un'emozione o un sentimento in una persona e fa desiderare loro di guardare o sperimentare l'arte.

In base a questa metrica, le immagini digitali (che hanno superato il limite delle fotografie a causa di un'eccessiva manipolazione) hanno tutti i diritti e le possibilità di essere arte. Devono solo avere successo.

Personalmente, tale lavoro deve essere sorprendente prima che risuoni particolarmente con me. La mia arte preferita è basata sulla realtà. Un bellissimo paesaggio di Tom Thomson mi ha sempre parlato più forte di qualsiasi cosa astratta. Questo non vuol dire che l'arte astratta non sia arte - può assolutamente esserlo - ma non risuona particolarmente con me.

Per questo motivo, fotograficamente sono sempre stato nel campo pittorico. Succede che Ansel Adams è uno dei fotografi che rispetto di più. Succede che anche oggi, nell'era digitale, ho girato gran parte del mio lavoro sul film, non perché il film sia necessariamente superiore (è in alcune cose, e non in alcune altre) ma perché il film esprime bene la mia visione fotografica. Scatto in digitale allo stesso modo: mirare a mostrare e interpretare la realtà. Potrei usare la filtrazione del colore su pellicola in bianco e nero e potrei usare obiettivi grandangolari nel mio lavoro digitale, ma le scene che registro rimangono realistiche. Li riconosceresti come reali - ma potresti avere una nuova prospettiva sulla loro realtà, se riuscissi a raggiungere la mia visione. Se ho fallito, è perché ho manipolato le mie immagini fino al punto di distrarre.

Mi sto vincolando? Io non la penso così. Ho scelto di ignorare centinaia di potenziali hobby e diversioni perché mi concentro su ciò che mi piace e mi diverto. Inoltre, la realtà è molto interessante.

Ho letto i miei numeri arretrati di una rivista di fotografia in bianco e nero britannica nelle ultime settimane. Le foto più commoventi che ho visto finora in esse erano una serie di foto di una foresta. Ho visto molti alberi, ma queste foto erano bellissime. Erano anche realistici. Il fotografo ha inchiodato la sua visione, ai miei occhi.

Ero stanco della solita accuratezza visiva e mi sono arreso all'idea che essere a fuoco sia un'illusione tanto quanto il mio obiettivo ha corretto gli occhi. Ora, almeno metà della mia vita è trascorsa a guardare il mondo in modo astigmatico, perché le immagini morbide mi mettono a disagio e in pace allo stesso tempo. Non riesco proprio a pensare a un'immagine raccolta da dettagli precisi. Lascia meno alla mia immaginazione e mi dà meno "sentimento". Certo, questa è la mia esperienza personale e altri hanno i loro metodi - ma il pittorismo, l'impressionismo - che bel modo di porre la domanda "Come mi fa sentire questo" senza tutto l'altro ... contesto.