La composizione dopo la cattura è contraria alle regole della fotografia tradizionale?

Uso il cellulare per la fotografia. Normalmente quando noto qualcosa di interessante, faccio una foto con il punto di interesse da qualche parte vicino alla regione che voglio che sia. Ma lo faccio con il chiaro presupposto che la composizione finale dopo averla modificata usando Snapseed potrebbe essere completamente diversa. Lo faccio perché sento di avere un maggiore livello di libertà e convenienza quando compongo offline, quando sono comodamente seduto da qualche parte.

La mia domanda è se questa è una pratica comune tra i fotografi? O forse i fotografi tradizionali fanno la composizione quando catturano?

Più specificamente, la composizione offline è considerata come imbroglio o qualcosa del genere?

aggiornamenti:

Esempio della mia composizione offline

FINALE ORIGINALE

Non sono stato io ad aggiungere il tag "etica". E onestamente non stavo pensando all'etica quando ho usato la parola barare. Quello che intendevo è prendere scorciatoie. La tecnologia ha reso molto facile fare belle foto. Una migliore formulazione della domanda sarebbe se la composizione offline è disapprovata dai fotografi tradizionali?

Scatto foto come sfogo della mia creatività. Non intendo fare soldi con esso o usarlo per promuovere qualcosa. L'ho appena caricato su 500px .

Non vado in posti per scattare foto. Faccio foto di cose interessanti che trovo in luoghi che la vita mi porta. Essendo un introverso, non mi sento a mio agio con una grande macchina fotografica, un cavalletto ecc. In luoghi affollati e attirando l'attenzione. Quindi preferisco un telefono con buone specifiche della fotocamera (LG G6) ora. E preferisco scattare foto velocemente e non rimanere in giro. Ecco perché preferisco comporre più tardi. Ovviamente faccio una composizione minima quando catturo.

Anche se ho le risposte di cui ho bisogno, trovo molto difficile selezionare qui la risposta più appropriata. Devo aspettare qualche giorno e selezionare la risposta con il voto più alto?

Per parafrasare un passaggio dell'antico libro ebraico di Ecclesiaste:

Per tutto c'è una stagione.

Un tempo per nascere, un tempo per morire
Un tempo per crollare, un tempo per costruire
Un tempo per conservare, un tempo per buttare via
Un tempo per usare "Esposizione automatica", un tempo per usare "Esposizione manuale"
Un tempo usare 'Single Point AF-S', un tempo per usare 'Area AF-C'
Un tempo per ritagliare in post, un tempo per comporre con cura l'immagine finale quando si scatta.

Con molte cose nella fotografia, ci sono alcune cose che possono essere molto utili quando si impara a fare la fotografia che alla fine si intromettono nel fare i migliori tipi di fotografia. Il trucco è riconoscere quando qualcosa che una volta era utile è diventato qualcosa che impedisce di diventare un fotografo ancora migliore.

Ciò non significa che il ritaglio sia sempre nella prima categoria e che il ritaglio non sia sempre nella seconda. Ci sono anche momenti e luoghi in cui il ritaglio dopo il fatto produrrà un'immagine migliore di quella che gli sforzi migliori del fotografo, vincolati da fattori fuori dal loro controllo, possono fare a porte chiuse.

Il famoso riverito Henri Cartier-Bresson aveva questo da dire sul ritaglio:

Se inizi a tagliare o ritagliare una buona fotografia, significa morte per l'interazione geometrica corretta delle proporzioni. Inoltre, molto raramente accade che una fotografia che è stata debolmente composta possa essere salvata ricostruendo la sua composizione sotto l'ingranditore della camera oscura; l'integrità della visione non è più lì.

Eppure anche HCB ha usato il ritaglio (e una notevole schivata e bruciore nella camera oscura, probabilmente eseguita da qualcun altro) quando era l'unico modo per ottenere lo scatto che voleva.

C'era un recinto di assi attorno ad alcune riparazioni dietro la stazione ferroviaria Gare Saint Lazare. Mi è capitato di sbirciare attraverso una fessura nella recinzione con la mia macchina fotografica nel momento in cui l'uomo saltò. Lo spazio tra le assi non era del tutto abbastanza ampio per il mio obiettivo, motivo per cui l'immagine è tagliata a sinistra.

Ma in generale, ritagliare come mezzo per salvare o migliorare un'immagine non idealmente composta è probabilmente più utile come strumento di apprendimento nello sviluppo di un fotografo che come strumento principale in una borsa di trucchi per un fotografo maturo. Ritagliando dopo il fatto, il fotografo in via di sviluppo¹ può auto-criticare le proprie composizioni e considerare i modi in cui avrebbe potuto migliorare la foto componendo diversamente nel momento in cui l'immagine è stata catturata.

Prendi, ad esempio, l'immagine originale inclusa nell'OP.

Confrontalo con il raccolto del PO:

Questo ritaglio consente alle distrazioni di rimanere su tre dei quattro bordi del fotogramma al fine di preservare o persino migliorare un po 'le linee (implicite) tra la testa dell'uomo, il sole e i riflessi del sole nell'acqua che formano un triangolo come caratteristica dominante della composizione. Quando guardiamo la foto, non possiamo fare a meno di notare.

In molti modi, il ritaglio di xiota dell'originale nella sua risposta è un miglioramento rispetto alla composizione della fotocamera e al ritaglio di OP di esso per quanto riguarda l'eliminazione delle distrazioni periferiche. Ma introduce anche un nuovo problema: la posizione del sole e il suo riflesso sull'acqua sono ora troppo vicini al bordo sinistro. Le linee implicite tra la testa dell'uomo, il sole e i riflessi del sole non sono più le caratteristiche compositive dominanti nella parte centrale dell'immagine. La linea verticale molto meno interessante al centro della cornice prende il sopravvento.

Se il fotografo avesse cercato più attentamente una composizione finale a porte chiuse, avrebbero potuto vederlo e spostarsi un po 'verso destra, mantenendo i due elementi verticali sui bordi, per spostare ulteriormente il sole all'interno dei bordi. Mettere la testa dell'uomo e il sole sui lati opposti della cornice equidistanti dal bordo dei rispettivi lati, incorniciati dai forti elementi verticali, avrebbe notevolmente rafforzato la composizione complessiva.

Sarebbe sembrato qualcosa di più simile a questo:

Ciò avrebbe potuto essere fatto solo considerando più attentamente la composizione finale e regolando la posizione di ripresa nel momento in cui l'immagine è stata catturata.

Idealmente, il fotografo avrebbe posizionato perfettamente la fotocamera per ottenere la composizione più forte prima di scattare la foto. Ai tempi del medio formato, quando premere il pulsante di scatto costava circa $ 1 al pop in film e lo sviluppo dei costi, è così che molti hanno fatto. Se la gente si fosse mossa prima di quel punto, il colpo non sarebbe stato preso affatto. Nel mondo reale oggi, probabilmente faremmo il tiro come ha fatto l'OP, come colpo di sicurezza nel caso in cui le persone iniziassero a muoversi. Se fossero rimasti fermi abbastanza a lungo, avremmo potuto anche riposizionare la fotocamera per ottenere la composizione più ideale e utilizzare quella cornice come immagine selezionata.

_{¹ Vedi cosa ho fatto lì?}

Prima di tutto: la fotografia è una forma d'arte e tutti possono esibirsi come vogliono. Detto questo, le cosiddette "regole" fotografiche, in particolare le regole di composizione, sono più una linea guida per aiutare la composizione che una regola.

Se preferisci comporre la tua immagine dopo lo scatto, è il tuo stile e la tua immagine, ma la composizione "offline" presenta alcuni svantaggi rispetto alla composizione diretta.

Il primo svantaggio è che perdi molta immagine e l'immagine diventa più piccola per questo.

Inoltre, puoi cambiare davvero il ritaglio solo dopo aver scattato la foto, ma la composizione contiene anche l'angolazione e la posizione in cui è stata scattata la foto. Questo secondo punto è anche la cosa in cui non capisco il tuo punto di maggiore livello di libertà perché molti fotografi pensano a un limite abbastanza grande per questo. La composizione è molto più del semplice ritaglio dell'immagine. È ciò che viene mostrato e come viene mostrato. Quindi non solo il ritaglio è importante, ma anche la posizione da cui è stata scattata l'immagine, l'angolo della fotocamera, la lunghezza focale, ...

La mia domanda è se questa è una pratica comune tra i fotografi? O forse i fotografi tradizionali fanno la composizione quando catturano?

Molti fotografi apportano modifiche al ritaglio dopo aver scattato l'immagine, ma taglia sempre solo parti dell'immagine e non è possibile aggiungere molto in post. Quindi dovresti cercare di ottenere la composizione stessa il più vicino possibile al prodotto finale nella fotocamera.

Più specificamente, la composizione offline è considerata come imbroglio o qualcosa del genere?

La fotografia è una forma d'arte, quindi imbrogliare non è realmente possibile fintanto che ti ostini a ciò che fai e non pretendi che sia qualcosa che non è. Quindi, per esempio, non chiamarlo fotografia documentaria se hai cambiato le cose nell'immagine come la rimozione delle distrazioni.

Il grosso problema è che la composizione offline è molto più limitata rispetto a farlo online. Quindi è meglio prendere il tuo tempo prima di scattare la foto e avvicinarla piuttosto che pensare molto tempo dopo ed essere limitato con le tue modifiche.

Dal punto di vista artistico, un fotografo è tenuto a utilizzare tutti i mezzi a sua disposizione per ottenere l'aspetto desiderato. Ciò include il ritaglio e / o altre tecniche di manipolazione delle immagini.

Per illustrare il mio punto: questa è la cornice originale di Alberto Korda. Senza dubbio hai familiarità con la versione modificata. È stato ritagliato e ottimizzato il contrasto.

Potresti essere d'accordo o in disaccordo con il risultato, ma è stata la decisione di Korda di prendere (e personalmente penso che l'abbia inchiodato).

La mia domanda è se questa è una pratica comune tra i fotografi? O forse i fotografi tradizionali fanno la composizione quando catturano?

I fotografi generalmente mirano a catturare un'immagine il più vicino possibile all'immagine finale. Tre ragioni per questo:

• controllo: ci sono molti aspetti di un'immagine che non puoi cambiare dopo il fatto. Ad esempio, non è possibile modificare la messa a fuoco, il punto di vista o il momento in cui è stata scattata l'immagine. Quelle cose sono inserite nell'immagine e, per renderle giuste, generalmente hai bisogno di una buona idea di come pensi che sarà l'immagine finale.

• risoluzione: inquadrare l'immagine nella fotocamera quando si desidera che l'immagine finale venga inquadrata significa che non è necessario ritagliare l'immagine o non è necessario ritagliarla molto. Ciò significa che stai utilizzando tutti o quasi tutti i dati del sensore, in modo da ottenere l'immagine con la massima risoluzione. Se ritagli una parte significativa dell'immagine, ti restano meno pixel con cui lavorare.

• tempo: se componi un'immagine nel modo desiderato quando la prendi, non devi dedicare molto tempo a modificarla in seguito. Potrebbe non sembrare un grosso problema risparmiare un paio di minuti, ma se hai scattato cento o duecento foto in un giorno, ridurre il tempo che devi dedicare a ognuna in seguito fa una grande differenza.

Ora, ciò non significa che i fotografi non cambieranno idea in seguito. Non è raro notare qualcosa in una foto che non hai mai visto prima, o rendersi conto che la foto sarebbe ancora migliore se una parte di essa fosse lasciata fuori. Ma la maggior parte delle volte, sai cosa stai cercando di catturare quando scatti la foto e provi a usare tutti i controlli della fotocamera per creare l'immagine che desideri. Hai il massimo controllo su un'immagine al momento dell'esposizione.

Più specificamente, la composizione offline è considerata come imbroglio o qualcosa del genere?

Non è un imbroglio, e se funziona per te, seguilo. Basta essere consapevoli di ciò che si sta abbandonando se si ritaglia abitualmente gran parte delle immagini.

Esistono sul mercato telecamere che catturano più dati di quelli necessari per una singola immagine esattamente in modo da avere la libertà di regolarla in seguito. Le telecamere a campo di luce hanno sensori speciali che registrano la luce su più piani focali, in modo da poter cambiare il punto di messa a fuoco in un secondo momento. E alcune telecamere possono registrare una serie di immagini anziché solo una, in modo da poter cambiare il momento in cui è stata registrata l'immagine finale o anche combinare parti di più immagini per ottenere una foto in cui tutti guardano la telecamera sul allo stesso tempo, anche se in realtà non è successo.

Una migliore formulazione della domanda sarebbe se la composizione offline è disapprovata dai fotografi tradizionali?

Non ho mai sentito qualcun altro usare la frase "composizione offline", quindi non penso che la maggior parte dei fotografi la pensi davvero in questi termini. Quello che hai mostrato come esempio è un tipico esempio di ritaglio: in seguito hai deciso che il ponte era più interessante del cielo o delle ginocchia dei soggetti. I fotografi fanno quel genere di cose tutto il tempo e se qualcuno ti aggrotta la fronte per averlo fatto, a chi importa? Non ti preoccupare.

Detto questo, penso che la maggior parte dei fotografi provi anche a pensare alla composizione quando stanno scattando la foto, per i motivi che ho descritto sopra. Se sei soddisfatto del tuo processo e soddisfatto delle immagini che stai creando, non cambiare nulla. Ma se sei interessato a migliorare la tua fotografia, una cosa che puoi fare è cercare di essere più attento alla composizione mentre scatti.

Questa risposta si concentra sull'aspetto imbroglione della domanda.

... la composizione offline è considerata come barare ...?

Truffare sta guadagnando vantaggio con l'inganno. Qualunque sia la regola della fotografia personale che segui, è imbarazzante se senti il ​​bisogno di mentire. Finché sei in anticipo su ciò che stai facendo, non è barare. Anche con qualcosa di banale come il ritaglio, se dici di non averlo fatto, ma lo hai fatto, è barare. Dato che ammetti apertamente di "comporre offline", nel tuo caso non è un imbroglio . Per qualcuno che afferma che l'immagine è stata prodotta interamente nella fotocamera, sarebbe barare.

Questo non è specifico per la fotografia.  Fai sport. Perché l'assunzione di alcuni farmaci tradisce? Perché tutti hanno accettato di non farlo, e quelli che ne traggono vantaggio mentendo al riguardo. Se ci fosse una serie sportiva in cui era consentito assumere farmaci che migliorano le prestazioni, prenderli non sarebbe più un imbroglio.

Barare è serio.  Le persone hanno medaglie, gradi e onori revocati a causa di imbrogli. Le persone vengono espulse dalle università per barare. Le carte vengono ritirate a causa degli imbrogli. Barare è sbagliato.  Le persone sanno che stanno per fare qualcosa di sbagliato quando iniziano a pianificare la copertura e a generare scuse nel caso vengano scoperti.

E ' non è vero che barare non è possibile perché la fotografia è "arte".  Ancora una volta, l'inganno sta usando l'inganno per ottenere un vantaggio. Qualcuno potrebbe mentire sul modo in cui "arte" è stata prodotta per aumentare le vendite o vincere un concorso con regole chiaramente definite. Questo è barare.

Supponiamo che un fotografo documentarista modifichi e pubblichi alcune foto . I fotografi documentari affermano di mostrare le cose "così come sono", con modifiche limitate alle linee guida dell'editore. Quando modificano le foto oltre ciò che è consentito, mentono per trarne vantaggio. Quindi barare.

... la [composizione offline] è una pratica comune ...?

Non c'è niente di sbagliato nel "comporre offline" purché non vi sia inganno nella sua pratica.  La maggior parte delle persone ha raddrizzato e ritagliato una foto ad un certo punto. È impossibile non per alcuni tipi di foto con requisiti di dimensioni e rapporto specifici, come passaporto e foto del profilo. Il ritaglio può far parte del processo di caricamento e selezione delle immagini.

Molti che non hanno (mai) ritagliato probabilmente non sanno né si preoccupano di come. Probabilmente non stanno prendendo alcuna posizione di principio contro il ritaglio. Sono quelli in genere che non hanno foto del profilo su nessuno dei loro account e hanno i loro nipoti che configurano tutta la loro elettronica.

I motivi per non ritagliare, per farlo a porte chiuse, includono la massimizzazione dell'area film / sensore, evitando lo sforzo di post-elaborazione e la soddisfazione di avere un'immagine "perfetta". Non ha senso mentire sul ritaglio. Qualunque sia il "prestigio" acquisito dalla menzogna è compensato dal fatto di dover ancora eseguire la post-elaborazione e di perdere la corsa alla dopamina per ottenerlo direttamente a porte chiuse.

[I] fotografi tradizionali eseguono la composizione quando catturano?

Dipende da quanto tradizionale. Solo film? Sviluppati? Stampa te stesso? In una camera oscura con ingranditore? Mescoli i tuoi prodotti chimici? Ecc.  Alcuni supporti non possono essere facilmente ritagliati , come pellicole per diapositive e lastre di vetro. Alcuni formati si prestano al ritaglio , come i formati quadrati medi con un obiettivo a lunghezza focale fissa.

Ci sono fondamentalmente due ragioni per "regole" in fotografia. Bene, tre. Il terzo tipo di regole sono le cose dettate dalla meccanica o dalla fisica: non puoi avere due soggetti a diverse distanze sia a fuoco sia a fuoco, la terra gira a una certa velocità , il sole può danneggiare la tua macchina fotografica e i tuoi occhi, ecc.

Ma scontando questo tipo di cose pratiche, ci sono due ragioni per le regole:

In primo luogo, linee guida per semplificare le cose per i principianti e altri incerti sulla composizione. Questo vale per la "regola dei terzi" e altre regole di "divisione per linee", così come molti altri suggerimenti per la composizione e l'esposizione "adeguate". Vedi alcuni esempi:

• Soggetto a fianco, all'intersezione o all'interno delle linee nelle regole di composizione? )
• Quando si scatta una foto, dove dovrebbe essere l'orizzonte?
• Cosa significa quando qualcosa "distrae"?
• Che cos'è l'esposizione "corretta"?

Questo tipo di regole è anche il tipo di regole che vengono fatte per essere infrante . In realtà non si applicano in ogni caso, e se tutti seguissero tali regole, la fotografia sarebbe noiosa e triste.

In secondo luogo, sebbene esistano regole più o meno arbitrarie che possono funzionare come strumenti per la creatività, come forme di una poesia . Non c'è niente di magico che dice che una poesia d'amore deve essere composta da tre quartine e un ultimo distico, ma molte persone amano la sfida di renderle così. Non è "barare" scegliere qualcosa di diverso da diciannove righe con due rime ripetute e due ritornelli per la tua meditazione sulla vita e sulla morte - ma attenersi intenzionalmente alla villanella ha prodotto alcune opere incredibilmente potenti e durature. (Anche se non ti piacciono le poesie, conosci queste righe: "Non andare dolcemente in quella buona notte. Rabbia, rabbia contro la morte della luce.")

Questo può essere vero anche in fotografia, e in effetti alcuni dei maestri erano un po 'ossessionati dal non ritagliare, non perché sono imbrogli di per sé, ma perché non sono lo spirito della loro fotografia. Per il pioniere e la leggenda della fotografia di strada Henri Cartier-Bresson, le fotografie riguardano " il momento decisivo ". Dice questo sul ritaglio:

[W] dobbiamo avere un'idea della geometria della relazione delle forme, come in qualsiasi mezzo di plastica. E penso che ti collochi nel tempo, abbiamo a che fare con il tempo e con lo spazio. Proprio come scegli il momento giusto in un'espressione, scegli anche il punto giusto. Mi avvicinerò, o più lontano, c'è un'enfasi sull'argomento, e se le relazioni, l'interazione delle linee è corretta, beh, è ​​lì. Se non è corretto, non lo è ritagliando nella camera oscura e facendo tutti i tipi di trucchi per migliorarlo. Se un'immagine è mediocre, beh rimane mediocre. La cosa è fatta, una volta per tutte.

Allo stesso modo, il Gruppo f.64 , di cui Ansel Adams era membro (insieme a Imogen Cunningham, Edward Weston e altri), apprezzava le stampe a contatto diretto da telecamere di grande formato: l'immagine poteva essere pesantemente manipolata , ma è stata vista come mancato raccolto . Da un articolo su Weston :

Il curatore di fotografie di Huntington, Jennifer Watts, ha affermato che Weston non ha mai ritagliato le sue fotografie: "Sta davvero per trovare la forma in natura. Che si tratti di una forma nodosa nel ceppo di un albero, o di nuvole, e di perfezionarla in un modo chiaro, conciso, incorniciato ".

Quindi, sì, ci sono certamente "regole della fotografia tradizionale" che ritagliarsi nella camera oscura (o ora sul computer) viene vista come un fallimento. Ma va bene. Non ogni grande poesia è un sonetto. Infatti, dal manifesto del Gruppo f.64 :

Vi è un gran numero di seri lavoratori nella fotografia il cui stile e tecnica non si relazionano con i contatori del Gruppo.

"Metier" significa "affari o chiamate", e in questo senso non è proprio un lavoro professionale quanto le regole particolari che il gruppo ha scelto. Quindi, questo gruppo di fotografi tradizionali molto apprezzati ha aderito rigorosamente a un particolare insieme di principi e lo ha trovato importante e prezioso per farlo, non hanno sentito il bisogno di applicare quelle regole particolari a tutti.

Ma è importante anche rendersi conto che le regole che hanno scelto non sono solo arbitrarie. Si inseriscono nella storia in modo importante . Gli artisti del Gruppo f.64 stavano reagendo alla scuola di fotografia pittorica precedentemente in voga . Per riassumere grossolanamente, quel movimento precedente ha cercato di convalidare la fotografia come Arte Reale enfatizzando quelli che sono aspetti veramente non fotografici della creazione, incluso l'aggiunta di pennellate e altre manipolazioni manifeste. Al contrario, i membri del gruppo f.64 credevano che la fotografia abbia una propria lingua e che la lingua della fotografia fosse direttamente informata dalla meccanica del processo. Quindi, c'è qualcosa di quasi sacro tra lo scatto incorniciato e la stampa di un contatto.

Mentre il risultato - per evitare il ritaglio - è simile a quello di Cartier-Bresson, le ragioni per scegliere quella regola sono diverse. O meglio, diverso nei dettagli, ma in realtà identico nello spirito, perché la regola riflette ciò che la fotografia significa per tutti questi diversi fotografi.

Ti incoraggio a trovare le regole che si adattano al tuo stile e che cosa significa la fotografia per te . Per me, sta evitando gli obiettivi zoom; Mi capita spesso di raccolto dopo il fatto di cambiare il rapporto di aspetto, ma io faccio tipo di situazioni vedere dove mi non ho avuto l'inquadratura giusta in macchina come un fallimento. Ma per altre persone, questo è solo uno strumento nella casella degli strumenti. Tornando alla poesia, molti lettori occasionali vedono il lavoro di Emily Dickson come pazze poesie in forma libera perché non seguono uno schema di rima tradizionale, ma in realtà sono attentamente misurate e misurate. Non stava tradendo non scrivendo sestinas o altro, ma aveva sicuramente una voce particolare. Regole come "ottenere l'inquadratura giusta nella fotocamera" possono aiutarti a trovare le tue,quella regola.

No, non lo considero un imbroglio.

In alcuni casi non hai l'obiettivo giusto a portata di mano (o meglio la fotocamera) o il soggetto si sta muovendo, quindi devi scattare la foto così com'è e comporla in seguito.

Per me, mi piace la fotografia naturalistica, ma non importa quanto delicatamente chiedo, il cervo (o qualsiasi altra cosa) si sposterà nelle peggiori direzioni. Quindi, prendo la foto il più a lungo possibile e la compongo o la elaboro successivamente.

Può essere una cosa utile da fare.

1. La tua lente è più nitida al centro
2. La fotocamera spesso mette a fuoco automaticamente meglio al centro (punto di messa a fuoco più sensibile / preciso) (alcune vecchie fotocamere mettono a fuoco automaticamente solo al centro)
3. La fotocamera dà più peso al centro dell'immagine quando determina l'esposizione.

Ovviamente puoi centrare il soggetto, premere a metà il pulsante per impostare la fotocamera su messa a fuoco / esposizione, quindi spostare la cornice per compensare 2) e 3), ma in questo modo il soggetto rimane più morbido dell'obiettivo.

Pertanto, scattare con un soggetto centrato a volte è tecnicamente migliore, soprattutto se si dispone di una fotocamera e di un obiettivo entry-level.

Come molti hanno sottolineato, dipende dall'intento dell'immagine.

Sono completamente d'accordo con Jindra Lacko per quanto riguarda l'obbligo dell'artista. È giusto sui soldi.

Il tuo fraseggio suggerisce che stai usando la tua fotografia come uno sbocco creativo (arte personale). In quel caso, c'è solo un tipo di imbroglio, perché c'è solo una regola: l'immagine finale deve soddisfare la tua visione artistica. In caso contrario, stai imbrogliando te stesso e i tuoi spettatori.

Ritaglio WRT: è un onere arbitrario e irragionevole per la tua visione artistica e l'interpretazione di un soggetto richiedere che l'immagine finale corrisponda alle proporzioni del fotogramma dell'attrezzatura utilizzata nella cattura. Per massimizzare la qualità dell'immagine, DOVREBBERO sforzarti di inquadrare l'immagine inizialmente in modo da dover ritagliare solo un asse (larghezza o altezza). A volte, è semplicemente impossibile. Quindi diventa una questione di sacrificare un po 'di qualità rispetto a sacrificare un tiro ... di solito vale la pena fare uno scambio.

Parlando della cattura ... la cattura dei dati dell'immagine è solo un passo (conto 5) nel processo fotografico creativo. È di fondamentale importanza essere sicuri; ma è solo uno. La funzione principale dell'acquisizione è catturare abbastanza dati immagine che possono essere manipolati nella tua visione per l'immagine durante la post-elaborazione. Se si "spengono" le luci importanti o si lascia che i dettagli delle ombre importanti diventino neri, l'immagine è irreparabile (senza ricorrere a misure estreme). Questo fatto è la motivazione per l'imaging HDR (per digitale) e il sistema di zona (per film), in quanto molto spesso, la gamma di illuminazione (intervallo alias dinamica) della scena rende impossibile per adattarlo nelle limitazioni fisiche del sistema di cattura (la fotocamera / sensore / pellicola).

I grandi fotografi pittorici (Adams, the Weston (Ed and Brett), White, ecc.) Hanno trascorso lunghe ore nella camera oscura lavorando le loro immagini per soddisfare la loro personale visione artistica. La tecnologia dei tempi li ha limitati un po '. Il fatto che ora il software apporti modifiche piuttosto banali non lo cambia un po 'perché non ha mai riguardato il processo, è sempre stato sulla visione. Direi che, come gran parte della tecnologia, rende la barra molto più alta in termini di livello di raffinatezza atteso perché è molto più facile da raggiungere.

Un'ultima nota: la tua visione artistica cambia durante la tua vita. Ricordo di aver letto una storia su Minor White mentre lavorava su alcune immagini per un'imminente mostra. Uno dei suoi amici ha chiesto perché stava rielaborando stampe quando aveva stampe esistenti dagli stessi negativi. Lui rispose "Sì, ma ora li vedo diversamente."

La composizione per il risultato finale durante la fotografia ha diversi vantaggi: ottieni la piena potenza dell'inquadratura della fotocamera e la sua piena risoluzione. Otterrai un'esposizione e una gamma dinamica adatte al miglior risultato finale. Ciò è palesemente ovvio quando si usano le pistole flash fuori dalla fotocamera: se finiscono sull'immagine, ciò ha conseguenze significative per la gamma dinamica disponibile per il risultato, in particolare se l'attrezzatura e il flusso di lavoro consentono l'uso di TTL e quindi riducono l'esposizione a evitare comunque la sovraesposizione di ciò che non dovrebbe finire nell'immagine finale. Naturalmente questo è simile per le fonti di luce o le luci evidenti che probabilmente finiranno fuori dalla cornice per motivi di composizione. Il ritaglio tende ad essere il minimo del male, qualsiasi rotazione o allungamento o correzione della prospettiva ti costerà in termini di nitidezza dell'immagine.

Quindi c'è un buon punto nel pre-framing correttamente: ti dà il materiale migliore con cui lavorare in seguito. Pre-inquadratura non significa ottenere l'inquadratura perfetta: ciò non ti lascerebbe il margine di manovra per allargare la cornice se risulta necessario (ad esempio per un'imbottitura con proporzioni diverse da quelle originariamente progettate). Dovresti avere abbastanza slop con cui lavorare in post-produzione per tutti gli scopi previsti.

Recentemente ho incasinato fotografando un gatto che curva un arvicola sul patio. Si è scoperto che una buona inquadratura divideva lo spazio dell'inquadratura più o meno equamente tra l'arvicola e il gatto (immaginando solo una mezza testa incombente del gatto anziché l'intero animale e l'ambiente circostante). Come conseguenza dell'inquadratura sbagliata, ciò che avevo non era solo una bassa risoluzione ma anche seriamente sottoesposto nonostante l'uso di un flash.

In effetti, alcuni degli errori di inquadratura più consequenziali che faccio tendono ad essere quando provo a catturare un'entità completa quando una buona inquadratura ne giustificherebbe solo una considerevole riduzione. In particolare dal momento che "catturare" un'entità tende a essere di scarsa utilità ai fini dell'inquadramento (al di fuori della fotografia di prodotto): o vuoi immaginare come qualcosa si adatta al contesto o no.